Formada en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas y ESAG Penninghen en París, Di Giusto comenzó su carrera trabajando en publicidad y diseñando créditos para la cadena de televisión France 5. Posteriormente dirigió vídeos musicales, cortos y videoinstalaciones. En 2016, hizo su debut como cineasta con La bailarina, un film seleccionado en el Festival de Cannes.

Al comentar el origen de Rosalie, la propuesta que ahora presenta, recuerda:  “Después de mi primera película, La Bailarina, quería tomarme tiempo para escribir. Ese es para mí el momento más preciado de la creación, un momento en el que todavía es posible todo, en el que nos sentimos libres. Después de Loïe Fuller, a cuya figura está dedicada La Bailarina, me crucé con otra mujer extraordinaria: Clémentine Delait. Una mujer barbuda que se hizo famosa a principios del siglo XX. Ese rostro femenino con barba me fascinó. Tenía fotos de ella y vi en su mirada un misterio por explorar. Había leído un primer texto sobre el tema, algo que podía ser una película biográfica, pero necesitaba ir más allá, y encontrar lo que resonaba íntimamente en mí al mirar esas fotos. Sabía que ella se había negado a convertirse en un fenómeno cualquiera de feria, y que, por el contrario quería ‘vivir su vida’. Me interesé por otras mujeres que padecían hirsutismo y la mayoría de ellas terminaron solas, en ferias, reducidas a fenómenos vulgares, a freaks. Tras un largo proceso de investigación, lo único que quería conservar de la vida de estas mujeres era lo que me conmovía. No quería hacer una película biográfica. Eso no me interesaba. Empecé a soñar con la vida de una de estas mujeres. Ya era un personaje de cine, con su fascinante presencia física pero también su secreto, su gracia… Y la promesa de un destino romántico, de conquistar el mundo y a sí misma. Así nació Rosalie.

¿Saber de ella le suscitó muchos interrogantes?

Rosalie es una mujer emancipada que tuvo que enfrentarse a la mirada de los demás y afirmar su feminidad única contra los prejuicios de una época. ¿Debería someterse y afeitarse para encajar en una ‘norma’? O por el contrario, debería intentar descubrir cómo aceptar lo que era? ¿Qué es el deseo para una mujer como ella? Y aún más fascinante: ¿Es deseable una mujer así? Me encantó filmar el rostro y el cuerpo de esta mujer, este erotismo único entre delicadeza y animalidad. El cine comienza para mí con esta fascinación ante una presencia poética, cuando el reloj se detiene sin que yo lo toque. Cuando una imagen se convierte en poesía… o en cine…

¿El cine como respuesta?

Cada película es una respuesta a los tiempos en los que vivimos, una forma de sobrevivir al mundo que nos rodea. Creo que el amor se ha convertido hoy en día en una batalla en una forma de vida que poco a poco se va deshumanizando. Esta es la lucha que liderará Rosalie. Ama a los demás, ámate a ti mismo. Quería escribir una historia de amor absoluto, de amor incondicional. Pronto pude sentir los latidos de su corazón. Rosalie se estaba convirtiendo en una joven que se siente perdida, que se busca a sí misma… que también se busca a sí misma en los ojos del hombre que ama.

¿Una relación que las circunstancias y la realidad convierten en muy compleja?

Rosalie y Abel se conocerán con el tiempo. Hay crueldad, y una emoción, recatada y violenta en la vida amorosa de un ser tan peculiar. Rosalie tendrá que luchar contra las mismas verdades que todas las demás personas sensibles: el miedo a ser abandonada, el deseo de amar y ser amado a pesar de la crueldad, el rechazo del victimismo, la rebelión, la naturaleza bestial y delicada de los sentimientos y el problema de cómo te ven los demás.

¿El pelo como elemento determinante?

El cabello es una parte esencial para presentarnos en sociedad. El cabello es visto como algo animal y primitivo. Está asociado con partes privadas y secretas. Con la bestia. Con la sexualidad. El ser humano es un monstruo domesticado por nuestras sociedades llamadas ‘civilizadas’ que no dejan de exponer su propia monstruosidad, con guerras o con humillaciones sociales y sexistas. Quería presentar un personaje alegre, una mujer joven cuya fuerza vital se desborda, que se esconde para sufrir pero tiene rabia por vivir. Rosalie es una mujer enamorada, pero el romance banal no es para ella. Ella no lo quiere, no tiene derecho. Cuando eres como ella, un ser ‘aparte’ del que algunos quisieron hacer un monstruo siendo ella tan femenina y delicada, el amor se vuelve mucho más que eso. Abel tiene dificultades para canalizar su violencia. La guerra le hizo mucho daño y dejó en él una huella imborrable. Ya no es capaz de amar. Ya no cree en nada. Rosalie lo va a poner a prueba. Quiere que él la ame tal como es. Es la emoción de esta pelea lo que he querido capturar.  

¿Reflejar cómo nacen los sentimientos a través de un deseo que se les escapa?

Me fascina esa dimensión de la historia: el misterio de un cuerpo. Filmar la piel, atreverse a filmar el cabello, revelar la sensualidad de los cuerpos donde menos se espera, para revelar algo inquietante, vibrante y bello. Abandonar los códigos habituales que se ven en pantalla. Cuerpos lisos casi surrealistas. Hay que crear algo bello, en lo inesperado, esa es una de las razones que me empujan a hacer cine, a filmar el deseo de otra manera, a llevarlo a otra parte.

¿Cómo se decidió por Nadia Tereszkiewicz como protagonista?

Después de muchos intentos, no había encontrado la actriz para interpretar a Rosalie. Obviamente hice muchas pruebas de vestuario con barba, lo que da una percepción completamente diferente y bastante sorprendente de la actriz, pero nunca me creí el personaje. Conocía a Nadia Tereszkiewicz de mi primera película, ya que figuró como joven bailarina en el grupo de Loïe Fuller. Un día la encontré en la calle por casualidad y le pedí que viniera a hacer una prueba. Cuando llegó a la sesión, era una de las pocas actrices que no parecía asustada, lo cual era comprensible cuando les pedía que interpretaran a una dama barbuda… La mayoría seguía mirándose al espejo, desconcertadas. Otras seguían rascándose… Pero Nadia adoptó inmediatamente y por completo la barba. No tuve dudas mientras la veía actuar. Tenía la energía pura de una actriz y el entusiasmo natural que necesitaba en el personaje. Incluso con la barba, desprendía algo inquietantemente sensual. Durante su pasado como bailarina sufrió mucho. Su cuerpo era constantemente juzgado ya que no se correspondía con  los cánones de la danza clásica. Tenía la fuerza, pero también la fragilidad que esperaba. Creo que el personaje de Rosalie también la conmovió por eso. Ella también tuvo que aprender a vivir con un cuerpo que sufre.

Y someterse a muchas horas de maquillaje…

Durante el rodaje, cada mañana, cada cabello era pegado uno a uno al cuerpo de Nadia. No quería engañar y usar un postizo barato con una actriz que necesitaba creer que también era real. Ese trabajo minucioso y obsesivo la ayudó a apoderarse del papel por completo. Tratamos el cuerpo de Rosalie como una escultura. La idea era crear una segunda piel que la actriz se ponía todos los días para sentir su ‘peso’. Esa decisión me estimuló en el día a día. Ése es el milagro del cine: hacer creer, hacer que algo antinatural parezca natural, revelar la poesía en algo que parece desprovisto de ella. Necesito el cine para explorar lo que el movimiento de un cuerpo en una cocina o en una cama puede revelar sobre los secretos de una vida.

¿Y por Benoît Maginel para el papel de Abel?

Nada sería posible sin Abel, el amor de su vida… Y nada habría sido posible sin la milagrosa presencia de Benoît Magimel. Captamos las emociones de Rosalie a través de los ojos de Abel. Sabía que sería difícil, que haría falta valor por parte de un actor para exponerse así. Sólo Benoît me pareció capaz de esta encarnación interior y física a la vez sensible y bella. Desde nuestro primer encuentro, él ya lo sabía todo sobre Abel y estaba dispuesto a aceptar el reto. Es un actor que se involucra con el director, la película y el equipo. Es una bestia fabulosa… pura emoción todo el tiempo. No puede hacer algo que no siente, pero siempre encuentra el gesto adecuado, la respiración adecuada, la ‘música’ adecuada. Tiene gracia. Lo sabemos. Lo vemos. Es todo.

¿Es verdad que les prohibió que se conociesen antes del rodaje?

Para mí era muy importante que los dos actores no se encontraran antes del rodaje. Filmamos en orden cronológico, quería que se descubrieran a lo largo de la película para crear sentimientos poco a poco como en la historia. Realmente construimos la película juntos.

¿El decorado como parte esencial del relato?

El café donde se desarrolla buena parte de la acción es un personaje más de la película. Mientras lo renueva, Rosalie crea conciencia y fomenta la libertad. Ella une a las personas y libera emociones. El café es un lugar donde las vidas se cruzan, donde se socializa. El café fue pintado por muchos impresionistas para resaltar las escenas más simples y banales de la vida. Resucitar ese teatro vivo, capturar esos momentos de la vida, creer en ellos, me fascinaba. Rosalie es el catalizador que revela a quienes la rodean. Su caballo de batalla es la suerte que tiene de estar viva, contra todo pronóstico. Encontré la antigua fragua donde transcurre le historia en el centro de Bretaña, un pueblo entero, aislado, vacío, muy bien mantenido por sus propietarios desde finales del siglo XIX. Sin este entorno natural no habría habido película. No tenía presupuesto para construir un decorado así. Es todo un mundo, una historia, que aparece en estas piedras, en estos edificios. Utilizamos los mismos extras todos los días, así pudimos conocerlos y poder filmarlos mejor. La idea era crear el microcosmos más realista posible, para que Abel y Rosalie se sintieran literalmente inmersos en la historia.

La libertad como uno de los ejes de la historia…

La libertad de Rosalie también será su perdición. La libertad es siempre una amenaza para quienes la rechazan: en nombre de la religión, la moral, la sociedad, la ley y el orden, y la guerra que se avecina…inevitable. Rosalie pagará el precio convirtiéndose en el chivo expiatorio de la comunidad. Hoy en día, muchos todavía consideran peligrosas a las mujeres que hacen algo más que traer niños al mundo. Rosalie no encaja en la norma, por lo que es necesariamente un peligro potencial para la sociedad. Después de haber adorado su barba, toda la comunidad se une contra Rosalie, que se convierte en la víctima elegida, responsable del desorden. Rosalie es vista como alguien en connivencia con el ‘poder maligno’.

Y la tolerancia en relación con el diferente…

Detrás de esta historia de amor se esconde la cuestión de la naturaleza humana, siempre dispuesta a destruir a cualquiera que sea diferente. Esta película trata principalmente sobre el amor y la libertad de aceptarte a ti mismo, de crearte a ti mismo. Muy pocas personas se permiten esa libertad, probablemente porque son conscientes del precio que tendrán que pagar. Todo lo que el personaje Rosalie quiere es ser ella misma. El amor brota de Rosalie, como un último mensaje que anula el odio y las diferencias. Ella creerá en la vida. Y Abel estará allí a su lado.

En un futuro muy cercano una gran nación como Estados Unidos se encuentra sumida en una cruenta guerra civil. En ese caos en el que nadie parece dispuesto a entrar en razón, un pequeño grupo de periodistas y fotógrafos emprende un trepidante, casi suicida, viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al presidente del país.

Lo que pudiera ser un film bélico más con sus correspondientes secuencias de sangre y destrucción, se convierte a través de la cámara del cineasta Alex Garland, artífice de películas convertidas en obras de culto como Ex_Machina o Aniquilación, en un visionario toque de atención. Civil war trasciente el enfoque convencional y, no exenta de lirismo, dejar en la pantalla trazos para inquietantes y necesarias  reflexiones.

Kirsten Dunst (El poder de perro), Jesse Plemons (Los asesinos de la luna), Wagner Moura (protagonista de la serie Narcos), Stephen McKinley Henderson (Dune), Cailee Spaeny, ganadora de la Copa Volpi en el Festival de Venecia de 2023 por su papel en Priscilla y Nick Offerman (Golpe a Wall Street) protagonizan esta película que bascula entre los géneros dramático, bélico, político y de acción, beneficiándose de una puesta en escena y una banda sonora meticulosamente trabajadas. De todo ese entramado surge la superproducción del oscarizado estudio A24 (Todo a la vez en todas partes, Midsommar) que se ha colocado en Estados Unidos en líder de taquilla en sus primeras semanas de lanzamiento.

En la presentación del film el cineasta británico Alex Garland, comentó la importancia de situar la historia en Norteamérica: “Estados Unidos es una potencia mundial y seguimos de cerca su política y sus elecciones porque sabemos que nos afectarán los resultados. Algunos países lo notarán en la economía, otros pueden verse inmersos en conflictos armados y otros correrán distinta suerte en función de todo tipo de factores basados en la política estadounidense”.

“Es extremadamente difícil hacer una película de guerra que sea antibélica, porque también es un film político basado en ese terrible sentimiento que desprende un mundo en el que los políticos mienten sin pudor, de un modo abierto y deleznable », añadió Garland, quién se ha esforzado por narrar la acción utilizando el lenguaje visual de las imágenes que estamos acostumbrados a ver en las noticias (extraordinaria la fotografía de Rob Hardy): “Ese lenguaje no es tan cinematográfico, sino más documental, por lo que nos ha permitido retratar la violencia de una forma más desgarradora. No hay encanto en una fosa común. No tiene nada de romántico”.

La carrera de Alex Garland comenzó como novelista, con obras tan populares como La playa y Tesseract. Su primera incursión en el cine fue como guionista de 28 días después, que dirigió en 2002 Danny Boyle. También es responsable de los guiones de Sunshine, Nunca me abandones y Dredd y del videojuego Enslaved: Odyssey to the West.

Como director debutó en 2015 con Ex Machina, por la que optó a un Oscar a mejor guion original, además de obtener nominaciones a los premios BAFTA a mejor película británica y mejor debut de un realizador inglés. En 2018 estrenó su segunda película como director y guionista, Aniquilación, basada en la novela de Jeff VanderMeer. En 2020 estrenó la serie Devs y en 2022 llegó a las salas el thriller de terror psicológico Men.

Civil War, su personal perspectiva sobre una nación fragmentada que se asoma al abismo de la violencia sin límites y sobre el papel del actual periodismo, es su cuarta película.  

Di Giusto, coautora también del guion, se inspira en la figura de la francesa Clémentine Delait, una mujer que a finales del siglo XIX y principios XX ocupó las portadas y titulares de los periódicos más relevantes de la época alcanzando una enorme y contradictoria popularidad.

En aquella Francia que se abría a un nuevo siglo Rosalie (soberbia la actriz Nadia Tereszkiewicz dando absoluta credibilidad a su personaje) no es una joven como las demás. Es bella, pero esconde un gran secreto. Desde que nació, su cuerpo está cubierto de pelo que oculta tras largos vestidos y en su rostro aflora una frondosa barba que día tras día se ve obligada a afeitar para disimular la realidad y evitar las burlas y el rechazo. Es, en toda la “peyorativa” consideración, una mujer barbuda.

Pero a pesar de lo que el destino parece haberle marcado, nunca quiso convertirse en una atracción de feria. Un día, Abel (Benoît Magimel, sobrio y verosímil como segundo protagonista) un hombre solitario y tosco, pero a su modo tierno, que posee un café con demasiadas deudas y muy pocos clientes, acepta casarse con ella sin conocer su secreto. En principio, toma su decisión para aprovecharse de la dote de la joven.

Pero Rosalie está cansada de esconderse y quiere empezar a mostrar su verdad y, a pesar de ser diferente, ser vista como lo que es: una mujer. Pero … ¿qué pensará su marido cuando descubra el misterio. Y cómo actuará el entorno cuando se desvele la realidad?.

El segundo largometraje de Stéphanie Di Giusto tras su ópera prima La Bailarina, tuvo su presentación mundial en la sección Un certain regard del Festival de Cannes y su estreno en España en el de San Sebastián, donde la película fue muy bien acogida.

Como se ha apuntado, Rosalie está protagonizada por los ganadores de los premios César Nadia Tereszkiewicz (La isla roja; Mi crimen; La gran juventud)  y Benoît Magimel (Pequeñas mentiras sin importancia, La pianista, La vida es un largo río tranquilo, Pacfiction) a los que acompañan Benjamin Biolay, Guillaume Gouix, Gustave Kervern y Anna Biolay.

A través de una puesta en escena elegante y contenida, la película defiende la libertad y la igualdad, la convivencia y el entendimiento con el diferente al mostrar a una mujer que, sin pelos en la lengua, se enfrentó a una mirada social esclava de los prejuicios de la época y que luchó tanto por aceptarse a sí misma como por que los demás la aceptaran.

Sobre ese punto insiste Di Giusto al concluir que “esta película trata principalmente sobre el amor y la libertad de aceptarte a ti mismo, de crearte a ti mismo. Muy pocas personas se permiten esa libertad, probablemente porque son conscientes del precio que tendrán que pagar. Todo lo que mi personaje Rosalie quiere es ser ella misma. El amor brota de Rosalie como un último mensaje que anula el odio y las diferencias. Ella creerá en la vida”.

Después de un doloroso divorcio, que, naturalmente, dio también al traste con su asociación musical, Sarah Lee se ha reconvertido y se toma ahora las cosas con más calma.

Estos días presenta su lustroso repertorio en nuestro país, en una gira que pasa por Granada (día 19 de abril), Santander (21), Madrid (22), Zaragoza (26), Sant Feliu de Guíxols (27) y Rubí (28).

– ¿Qué significa para usted llevar el apellido Guthrie?

Tener un apellido como el mío puede ser difícil o muy sencillo, y creo que depende mucho de la actitud de cada uno. Yo siempre he intentado que sea sencillo y natural. Siempre he tratado de no sentir una presión extra por las expectativas que la gente pueda tener sobre mí a propósito de ser la hija y la nieta de quien soy. Mi padre fue un ejemplo magnífico para mí, porque a él, claro, le pasó lo mismo con su propio padre, y él fue capaz de seguir siendo él mismo, crear su propia música y su propio arte, sin olvidar, por supuesto, la relevancia de llevar ese apellido y lo que el nombre de Woody Guthrie significa para la historia de la música.

Si eres capaz de manejar ese peso, de conectarlo con tu propio arte y tu propia personalidad, eso se convierte en un superpoder. Para mí es un privilegio, y trato de verlo solamente desde una perspectiva positiva, como un bonito regalo por el que me debo sentir agradecida.

– ¿Siente alguna responsabilidad con respecto a la música y con respecto al mensaje que difundió su abuelo?

Sí, por supuesto, pero en realidad no creo que sea tan diferente de lo que le puede suceder a cualquiera. Siempre existe esa responsabilidad de no decepcionar las expectativas que se crean alrededor de cualquier persona por el hecho de ser hijo o hija de quien lo sea, responsabilidad en tu trabajo, en tus ideas, en tu forma de educar a tus propios hijos.

Tengo que subrayar que mi padre nunca me hizo sentir la menor presión con respecto a su profesión. Esa no fue una parte de mi vida durante mi infancia. Por supuesto, el ambiente en el que nací y en el que me crie tuvo una influencia, pero eso es lo que le ocurre a cualquier persona, que, lógicamente, estará condicionada por sus circunstancias familiares. Yo podría haber elegido cualquier otra ocupación, podría haber sido librera o cualquier otra cosa, pero finalmente elegí ser una cantante de folk. En un momento dado, decidí asumir esa responsabilidad y ese honor, porque todo va unido.

– ¿Se identifica con el lema que lucía Woody Guthrie en su guitarra, “This machine kills fascists” (esta máquina mata fascistas)?

Absolutamente, aunque yo lo traduciría en un sentido más positivo. Creo que la música es muy poderosa para unir a la gente en la lucha contra los opresores, contra cualquier tipo de negatividad en este mundo. Sí creo que la música ha servido y sirve para cambiar cosas importantes.

– ¿Qué recuerdos guarda de su infancia y su relación con la música?

Al contrario de lo que mucha gente puede pensar, la música no era algo cotidiano durante mi infancia. Mi padre estaba en la carretera, haciendo conciertos, una gran parte de su tiempo y cuando volvía a casa no tocaba música y rara vez ponía discos. Yo no lo recuerdo tocando la guitarra en casa. A mi madre le encantaba la música y sí ponía discos, pero eso no es muy diferente de lo que sucede en cualquier casa.

– Sin embargo, con sus hijas las cosas han sido forzosamente diferentes.

Claro, yo he criado a mis hijas en la carretera, porque esa era mi profesión. Mi madre pudo permitirse ocuparse de mí y criarme en casa, pero con mis hijas no ha podido ser así. Y no digo que sea malo necesariamente, por supuesto.

– Entonces, ¿cuándo empezó a meterse en el mundo de la música?

La primera vez que canté encima de un escenario fue cuando tenía catorce años. Mi padre tenía un concierto, en un sitio grande, para 12.000 o 13.000 espectadores, y me pidió que cantara una canción de Pete Seeger. Me la aprendí y la canté. Estaba muy nerviosa y algo avergonzada, pero al parecer no lo hice demasiado mal.

Pero realmente fue unos años después, al acabar el instituto, cuando empecé a meterme en el mundillo de la música. No sabía muy bien qué hacer, y mi padre tenía una gira aquel verano, con Bob Weir (guitarrista de The GreatfulDead), los Black Crowes y otros grupos, así que me apunté como road manager y fue un descubrimiento, porque yo era fan de los Black Crowes, de Grateful Dead y de todos esos grupos, y fue maravilloso compartir esa experiencia con ellos. Fue un punto de no retorno. Me encantó la épica de la vida en la carretera, los conciertos, viajar y todo eso.

Algún tiempo después, viviendo ya en California, conocí a Johnny (Irion, su marido y mitad del dúo con el que actuó y grabó entre el año 2000 y el 2014) y fue él el que realmente me animó a tocar la guitarra y dedicarme profesionalmente a la música. Dejamos de tocar juntos en 204, porque pensamos que eso podría ayudar a salvar nuestro matrimonio, pero la verdad es que no funcionó. Fue una época muy dura para los dos, pero finalmente fue una liberación.

– Poco después decidió marcharse a vivir a Austin, ¿qué supuso ese cambio?

Fue fundamental. Me encanta esa ciudad. Mi hermana vivía allí y decidí irme para allá y eso ha cambiado mi vida de una forma radical, sobre todo porque ha cambiado completamente mi relación con la música. Ya no me tomo a mí misma tan en serio como antes, y eso es fantástico. Me dije a mí misma, “eh, no eres tan importante, simplemente sabes hacer música, y eso es divertido”. El ambiente musical de Austin es increíble, puedes escuchar música todo el tiempo, todo el mundo toca y compone, y allí a nadie le importa quién soy. Empecé a tocar de nuevo, pero por primera vez en mi vida no lo hacía por dinero, sino por el puro placer de hacerlo. Eso hace que la música cobre una dimensión nueva para mí, una dimensión mucho mejor. Todas esas presiones, expectativas, el hecho de tener que tocar para poder pagar el alquiler… ¿esas son las razones adecuadas para hacer música? Por supuesto que respeto a todos los músicos que se ganan así la vida, pero a mí, ahora que ya no gano dinero con ella, la música me hace mucho más feliz.

– Obviamente hay razones para pagar por la música, pero, ¿qué le parece el argumento, tantas veces esgrimido a este respecto, de que si no se paga por la música los músicos dejarán de hacerla?

No estoy de acuerdo, por supuesto. No creo que la gran mayoría de las grandes canciones de la historia de la música popular fueran hechas pensando en el dinero que iban a ganar sus autores con ellas. Como dice, hay razones para que la música sea una industria y haya mucha gente que viva de ella, pero la verdadera esencia de la música es el arte, no el negocio. Trabajar por el propio trabajo es mucho más satisfactorio que hacerlo por el resultado que te va a proporcionar.

– A lo largo de su carrera ha tenido la ocasión de conocer y trabajar junto a músicos formidables y muy conocidos, ¿guarda especial recuerdo de alguno de esos encuentros en particular?

De muchos, claro. Este pasado mes de enero pude participar en un homenaje que se le hizo a Ramblin’ Jack Elliott, y lo mejor de todo es que él mismo estaba allí… en esta ocasión tuvimos la fortuna de que el homenaje no era porque se había muerto, sino que pudimos ofrecérselo en vida, para demostrarle lo mucho que significa su música para todos nosotros. Me encantó estar allí, tocando con gente como Joan Baez, que desde luego ha sido una enorme influencia para mí, y sintiéndome por un momento como si estuviera al mismo nivel que ella, compartiendo camerino, comiendo la misma comida que ella… fue fantástico. Pensé que por fin había alcanzado el éxito. También estaba gente como Steve Earle, Ricky Lee Jones, Nathaniel Rateliff, mi amiga Melissa Carper, que es una compositora y cantante maravillosa. Estar ahí, metida en ese mundo de leyendas, fue increíble.

– Al mismo tiempo, ha tocado también con músicos más jóvenes, ¿nota la influencia de Woody Guthrie en las nuevas generaciones?

Sí, claro. Esa influencia está ahí, incluso aunque muchos de esos artistas no sean conscientes de ello. Es historia de la música y todos los músicos, de alguna manera, tienen esa influencia, aunque no hayan escuchado sus discos, porque les llega a través de otros músicos a lo largo de las distintas generaciones.

– Recientemente ha publicado dos nuevas canciones, ¿podemos esperar un nuevo álbum a corto plazo?

Realmente no lo sé… Me estoy tomando mi tiempo, porque la verdad es que no estoy segura. Recientemente he montado una empresa de comida porque me encanta cocinar y la verdad es que la idea de volver a pasarme la vida en la carretera no me resulta muy atractiva. Eso es algo que he hecho durante toda mi vida, me he pasado veintitantos años haciendo lo mismo y ahora prefiero hacer otras cosas. Como explicaba antes, la música es demasiado importante como para que sea mi forma de ganarme la vida. Tengo dos hijas y la verdad es que tengo una vida muy agradable ahora en Austin, tocando de vez en cuando por el mero placer de hacerlo, y mi idea de lo que es tener éxito ha cambiado radicalmente. No quiero un disco en las listas de éxitos, no necesito ser famosa, tener una compañía potente que me ayude a promocionar mis discos. Todo eso está cambiando mucho en mí. No digo que no vaya a hacer un disco nunca más. Si en un momento dado tengo diez o doce buenas canciones puede que vaya a un estudio, las grabe y las edite en un disco, si es que hay alguien interesado en hacerlo, pero si eso no ocurre, no hay ningún problema.

– ¿Y cómo encaja esa filosofía con, por ejemplo, la gira que está haciendo ahora mismo, tocando en pequeños locales, muy lejos de casa?

Lo hago básicamente porque me encanta la gente y es fantástico compartir tu tiempo y tu música con gente que lo aprecia y lo disfruta. Para mí es un privilegio. Había estado antes en España, pero no de gira, sino solamente dando dos conciertos, en Madrid y Badalona. Ahora estoy teniendo a oportunidad de viajar, de ver paisajes estupendos, probar comidas buenísimas, beber buen vino, ver monumentos, conocer a un montón de gente amable y respetuosa…

– ¿Aprovecha también para tratar de conocer la música local?

No siempre tengo oportunidad, pero desde luego sí me interesa, me dejo recomendar y procuro escuchar cosas diferentes.

– Como aficionada, ¿trata de descubrir artistas nuevos?, ¿qué música le gusta escuchar?

Últimamente la verdad es que estoy escuchando mucho jazz, música clásica, cosas latinoamericanas… un poco fuera del mundillo del folk. Me interesa conocer cosas que se salen un poco del ambiente musical en el que me he movido siempre. Por supuesto, me encanta el country y el folk, adoro a Hank Williams y escucharé siempre esa música, pero me gusta intentar sorprenderme también con cosas que no conozco.

– Le iba a preguntar por sus próximos proyectos, pero, por lo que cuenta, no parece tener grandes planes a corto plazo…

La verdad es que no. Después de esta gira mi plan es volver a Austin, tocar con mi hermana todos los miércoles en un bar, trabajar en mi compañía de granola –comida consistente en granos de avena y miel–… Envaso la comida y la vendo en los mercadillos de los granjeros, es un poco loco pero me gusta. A veces hay gente que me reconoce y no se cree que esté haciendo eso: “pero, espera un momento ¿Tú eres Sarah Lee Guthrie y estás vendiéndome estos paquetes de cereales?” “Sí, claro que soy Sarah Lee Guthrie”. Me pasaba lo mismo cuando estaba de camarera en la barra de un bar, donde he estado estos últimos años sirviendo cervezas… me decían “¡pero tú no deberías estar aquí, deberías estar en el escenario!” y yo les contestaba, “¿Qué quieres, una Lone Star o un chupito de Jameson?”. Prefiero esa vida sencilla y auténtica. Me encanta.

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En concreto, esta colección permanente ^[6] está conformada por 269 obras –187 pinturas, 64 esculturas o relieves, 17 dibujos y un grabado– fechadas desde principios del siglo XX hasta nuestros días.

Los fondos del nuevo museo, que dirige Juan Manuel Martín, atesoran obras de, entre otros artistas ^[7], Julio Antonio, Benlliure, Sorolla o Beruete, pasando por los modernistas catalanes (Casas, Rusiñol) o el más genuino tradicionalismo y regionalismo simbolista (Romero de Torres, Solana, Chicharro, Zubiaurre, Morcillo), hasta llegar a nuestros días, con Antonio López (26 obras) y el Grupo de Realistas de Madrid, con María Moreno (6 obras), Francisco López (19), Isabel Quintanilla (11), Julio López (11), Esperanza Parada (8) y Amalia Avia (4).

Gracia y encanto

Antonio López explica así el recorrido expositivo: «A la entrada del museo, una escultura de desnudo de mujer de Francisco López es, junto al grupo escultórico de los Reyes, un comienzo brillante que anuncia lo que vamos a ir encontrando. Desde el comienzo, la turbulencia de los estilos se va sucediendo hasta llegar a los trabajos más recientes, siempre con dignidad y verdad, con gracia y encanto. Hay un espacio, el de mi generación, que me alegra y emociona en extremo. Unas pinturas, dibujos y esculturas realizadas por familiares y amigos a los que he querido tanto, llenos de talento e imaginación, a la altura del mejor arte de nuestro tiempo en cualquier lugar. Si yo viviera en Almería visitaría el museo todos los días».

El Museo está ubicado en el antiguo Hospital de Santa María Magdalena ^[8], único edificio civil del siglo XVI que se conserva en Almería capital, rehabilitado por la propia Diputación. Esta administración, además, ostenta su titularidad al tiempo que financia el contrato suscrito con la Fundación de Arte Ibáñez Cosentino, garantizando así no solo su dirección artística sino el desarrollo de los diferentes programas didácticos y de dinamización cultural que conforman su actividad.

Con un privilegiado emplazamiento, el MuReC se asoma al Parque Nicolás Salmerón, en pleno centro histórico de la ciudad y muy próximo a la catedral, al Centro Andaluz de la Fotografía, al Museo de la Guitarra y al genuino barrio de la Almedina, a los pies de la Alcazaba.

Para García Ibáñez la creación de este museo «remedia un error histórico y con él estamos dando cancha a un buen número de artistas que habían sido olvidados. La mayoría de las obras son de autores que han sido muy importantes pero que no estaban representados en ningún sitio. El empuje de la Diputación ha permitido que la sociedad pueda disfrutar de una obras maravillosas que estaban esperando su lugar y momento histórico».

La existencia del Museo Ibáñez de Olula del Río ^[9], la riqueza de sus fondos y la realización allí durante 10 años seguidos del Curso de Realismo y Figuración, impartido por García Ibáñez y Antonio López a cientos de pintores venidos de todo el mundo, han convertido a la provincia de Almería en referente del Realismo contemporáneo, papel que ahora se ve fortalecido con la creación de este nuevo museo.

– ¿Quiere descargar el folleto del Museo ^[10]?

Un recorrido por las plantas baja, primera y segunda a través de las panorámicas 360⁰ permite apreciar las obras y su disposición en las salas, ofreciendo una selección de obras digitalizadas en gigapixel, incluyendo cinco esculturas en 3D-Photo. A partir de esta digitalización se han creado 10 recorridos temáticos que, a través de una selección de obras, explican mediante una introducción locutada los detalles que luego se pueden descubrir accediendo a cada una de ellas.

1. Un paseo por el Olimpo. Ocho obras clave que conforman un particular Olimpo. En cada una de ellas el usuario encontrará dioses del mundo grecorromano y descubrirá los mitos en los que participan. Esos mitos han sido definidos como narraciones maravillosas situadas fuera del tiempo histórico y protagonizadas por personajes de carácter divino o heroico, es decir, historias de dioses y su relación con los mortales.

2. Llega la muerte. Nueve obras que giran en torno a la muerte y ofrecen distintas visiones de la misma. Un famoso filósofo chino dijo: “Diferentes en la vida, los hombres son semejantes en la muerte”. Por eso, el recorrido comienza con la particular visión del tema que ofrece, a mediados del siglo XVI, Pieter Bruegel el Viejo. Su título no puede ser más expresivo: El triunfo de la Muerte.

3. La mirada del artista. Ocho obras que comparten un nexo común. En todas el autor ha incluido su propia imagen. El Prado conserva muchos autorretratos, con los artistas autorretratados en soledad, junto a sus mecenas, con su familia o bien formando parte de composiciones más complejas.

4. El cuerpo. Ocho obras en las que el cuerpo humano tiene un destacado protagonismo. Tanto el masculino como el femenino. Y tanto en obras religiosas como en composiciones de carácter mitológico. ¿Sabía que, entre 1827 y 1838, el Real Museo de Pinturas tuvo una Sala Reservada a la que solo se podía acceder con un permiso especial? En sus paredes colgaban algo más de setenta pinturas de diferentes escuelas, tamaños y calidades, que tenían una característica común, un nexo que permitía esa extraña agrupación: en todas ellas se exaltaban los cuerpos desnudos, la carne… por lo que su visión podía resultar perniciosa y ofender a la moral, al decoro y al buen gusto.

5. Al fondo. Nueve obras donde lo interesante ocurre no solo en primer plano, sino también al fondo. Si el espectador se fija en esos detalles, en lo que pasa ahí, puede descubrir auténticas sorpresas. En ocasiones puede ser un paisaje, real o imaginario; otras veces un edificio más o menos reconocible. También puede ser el interior de una habitación, con pinturas o tapices decorando sus paredes. O simplemente un personaje, que puede ser fundamental para la historia representada, o bien una simple llamada de atención, algo anecdótico.

6. Escrito está. Siete obras en las que encontrar todo tipo de inscripciones que aportan muchísima información sobre su autor, sobre el personaje representado o sobre la historia que allí se cuenta.

7. Música en el Prado. Siete obras en las que la música juega un papel relevante, ya sea por la presencia de instrumentos o bien porque sus protagonistas están interpretando alguna pieza a veces acompañada del canto.

8. Flores del Prado. Siete obras que animan a descubrir las plantas y flores que aparecen representadas en ellas. A veces será muy fácil porque algunas flores juegan un papel destacado en determinadas escenas de carácter religioso o mitológico, pero en otras será más complicado porque están casi escondidas o su presencia puede pasar desapercibida.

9. Sentados en el trono. 10 obras protagonizadas por monarcas que han ocupado el trono español desde finales del siglo XV hasta principios del siglo XIX. En las colecciones del Prado hay muchísimos retratos de reyes y reinas, no solo de nuestro país, sino también de países cercanos como Portugal, Inglaterra, Francia y Alemania o, para ser más precisos, del Sacro Imperio Romano Germánico.

10. Obras maestras. Una pequeña selección de las obras maestras que custodia esta institución fundada en 1819 por el rey Fernando VII a partir de las colecciones que había heredado de los monarcas que le precedieron. Desde entonces, la institución ha ido incrementando sus obras hasta llegar a las más de 8.300 pinturas que posee hoy día, además de casi 1.100 esculturas, más de 11.000 dibujos, casi 8.000 grabados y más de 3.600 piezas de artes decorativas.

«Nuestra nueva newsletter está destinada a finos paladares como el suyo… degustador de los placeres de la mejor música popular», destaca Carrero a modo de declaración de intenciones. «Si me acompaña, cada semana le recomendaré los conciertos, eventos, estrenos, lanzamientos que quizá quedaron fuera de su radar pero que le animo a no perderse».

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Recuerde, cada martes puntualmente en su correo, para que tenga tiempo de organizar su agenda musical de la semana.

Pablo Carrero es periodista, cofundador y director de Rock Indiana Records ^[12], compañía discográfica independiente con cerca de 300 referencias nacionales e internacionales, y ha escrito libros como, entre otros, Letanía de Abbey Road ^[13], Humildad y paciencia ^[14], Guía esencial del Nuevo Rock Americano y el garaje de los 80, y es coautor de Guía esencial del punk y la nueva ola ^[15] y Guía esencial de la nueva ola española ^[16]. Escribe en en nuestras páginas desde 2020.

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Retrocedo, me extiendo encima tuyo hasta quedar cara a cara, me asomo sobre tus párpados cerrados como a un precipicio que tiene más metros de los que imaginaba. Quedo a la espera de que abras los ojos como si las cosas fueran a encauzarse con solo mirarnos de cerca. Tus pestañas tienen la forma de ciertas plantas de interior que se arquean en busca del sol, ¿alguien te lo dijo alguna vez? Cuando por fin abrís los ojos, ese vértigo que calculaba se evaporaría al mirarnos, persiste en mi panza. Me preguntás qué me pasa. Me preguntás qué me pasa con un tono que no es el de antes, el de hace semanas o tal vez ya meses. Ahora es un tono de quien no soporta el calor húmedo de Buenos Aires. O de quien no encuentra nada interesante en la alacena pero de todas formas tiene que cocinar porque ya es tarde para ir a hacer las compras.

Apoyo la frente sobre tu pecho y no respondo. Mi cabeza queda en equilibrio precario, como un cántaro que nos contiene a vos, a mí y al resto de nuestro mundo, un cántaro que corre el riesgo de quebrarse en cualquier momento si no lo atajamos.

Me agarrás de las nalgas, tus manos separan mis piernas y me acariciás hasta hundirte en mí. De reojo veo pasar la felicidad, una sombra rosada que se escabulle. Lanzo anclas por el aire hacia al pasado, para ver si alguna prende y nos permite volver a donde las cosas parecían funcionar. Me decís al oído que estás conmigo, que está todo bien. Sigo lanzando anclas como barriletes. Tu voz vibra en mi cuello y se parece mucho al tono que usabas antes, ese tono en el que podía acurrucarme y dormir apenas sostenida por la cadencia de tu voz. Quisiera creerte, podría ahora mismo creer en lo que decís y dejar de pensar de una vez, pero tu cuerpo, ¡ay!, tu cuerpo te contradice.

Aunque repitas que estás conmigo, mientras te movés y vibrás como las vías de un tren que está llegando y que en cualquier momento se perderá dentro de mí, te mordisqueo el hombro y noto que tenés otra consistencia. Vuelvo a morderte y lo confirmo: estás arenoso, como si pudieras deshacerte en la cama. Temo que te vuelvas polvo debajo de mí de un momento a otro y que ya no puedas rearmarte. Recorro tu espalda con los dedos, mis yemas están desesperadas por reconocerte, pero hay otra temperatura en tu piel, una que me estremece. ¿Alguna vez supimos quiénes somos? Tu esperma empieza a brotar, me va llenando de a espasmos, soy un cántaro que rebalsa y se desprende, que rueda de la cama hacia el suelo, que estalla en miles de pequeñas astillas rojas.

La Comisión estuvo formada por Guillermo Solana, director del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; el escritor y crítico de arte Fernando Castro Flórez; la comisaria independiente Neus Cortés; el artista Bernardí Roig y la comisaria y gestora cultural Alicia Ventura.

Barro ha explicado en su presentación pública que esta nueva etapa «debe ser la de la consolidación de su singularidad y su condición de museo referencial. Para ello debe combinar la presencia de nombres incuestionables del arte contemporáneo internacional con artistas baleares que posean una trayectoria rigurosa, independientemente de su condición generacional. Es Baluard debe afianzar esas trayectorias y conseguir ponerlas en contexto, al tiempo que le toma el pulso al presente a partir de sus exposiciones, actividades y programas públicos, pero sobre todo desde su propia colección, que más que exhibirse como tal, debe ser la principal generadora de teoría de relevancia, conformando exposiciones de tesis acompañadas de publicaciones capaces de tornarse paradigmáticas».

«No pretendo un museo que imponga un punto de vista único –ha continuado el nuevo director–, aunque sí que posea una voz propia, personalidad, y genere opinión, que sea capaz de contar historias y de ofrecer al público herramientas para hacer su propia historia del arte, para que el visitante salga haciéndose nuevas preguntas. En este sentido, me encantaría que Es Baluard fuese imprevisible, que consiga crear interconexiones entre el arte y el mundo que lo rodea, así como con otras esferas de la creación y tocar generaciones diferentes».

En cuanto a la programación, David Barro explicó que comenzará a finales del mes de enero de 2025 y que no es momento de adelantar nombres, pero sí señaló que la de «los tres primeros años se armará a través de una trilogía que se irá desvelando a sí misma mientras genera sus propias narrativas y teorías. Lo único que puedo revelar por ahora es el título de esta trilogía, que será Nachleben, un concepto entre la pervivencia y la supervivencia que aplicaremos a las disciplinas artísticas».

En lo que respecta a los objetivos que se plantea para el museo advirtió que son muchos si se quiere conseguir el principal: «que es ser un museo referencia indiscutible del arte contemporáneo nacional e internacional». Para ello, señaló, «debemos ofrecer una programación de calidad que nos otorgue un prestigio cultural más allá del arte contemporáneo, algo que solo es posible con una comunicación accesible y transversal y una sólida estrategia de posicionamiento. Entiendo el museo mucho más allá de sus muros y vengo a trabajar para todo el contexto balear. Estoy convencido de que el éxito de un museo se mide por muchas cosas que no son objetivables, pero como director me impongo la tarea de ejercer como mediador con el contexto para que el museo expanda su misión».

Barro releva en el cargo a Imma Prieto ^[23] (octubre de 2019 – agosto de 2023) y se incorpora con un contrato de cuatro años, prorrogable durante dos años más y con la posibilidad de prorrogarse por años sucesivos finalizado este periodo de seis años.

Es Baluard, el museo público de arte contemporáneo más importante de Baleares, celebró en enero de 2024 el 20 aniversario de su apertura. Su colección incluye más de 800 obras datadas entre finales del siglo XIX y la actualidad. Los principales artistas y movimientos que han confluido y confluyen en el archipiélago, puestos en relación con los contextos artísticos nacional e internacional, integran un corpus rico, complejo y en continua evolución.

Rodada a lo largo de dos años en Ecuador, Perú, Bolivia, México, España y Estados Unidos, Hispanoamérica derriba mitos e ideas estereotipadas para mostrar la historia compartida durante más de trescientos años a través del esplendor visual del patrimonio arquitectónico, pictórico, escultórico y musical de la época.

Con la participación y el testimonio de un amplio número de reconocidos historiadores y expertos en la materia, fundamentalmente  americanos, entre ellos Adelaida Sagarra, Marcelo Gullo, Carlos Leáñez, Enrique Krauze, Ramón Mújica, Terrel Kelly, Raquel Maldonado, Orlando Romero, Ricardo Quezada y Carmen Iglesias, se abunda en la idea de que los tres siglos de historia compartida no fueron tiempos de colonización, sino de colaboración y mestizaje, insistiendo en que, salvo excepciones, se veló por la dignidad de los pueblos originarios, siendo frecuentes las audiencias que velaban por ese trato y frenaban y castigaban los abusos. Como apunta el realizador, «pocos hablan de los mulatos en las universidades de la época y de la ausencia de racismo, pues es preciso recordar que hasta el siglo XIX no existía el término raza como tal».

Por otra parte, como también destaca su director, Hispanoamérica constituye un canto a determinadas figuras femeninas como puentes históricos esenciales. Es el caso, entre otras, de dos mujeres tutelares que hicieron posible el nacimiento de Hispanoamérica, como la reina Isabel la Católica y doña Marina (Malinche), de cuya unión con Hernán Cortés nació Martín Cortés, el primer mestizo, el primer mexicano. Sobre esta última se destaca que el Lienzo de Tlaxcala ^[24] (a principios de la década de 1550) narra la llegada de los españoles. En él, la Malinche aparece siempre al lado de Cortes, calzada y, significativamente, a su lado, no detrás.

A través de sus impresionantes imágenes, el documental descubre lugares poco conocidos, costumbres arraigadas desde entonces y el poder de la música como elemento de unión, como el canto de los violines en plena Amazonía derivado de las partituras que los jesuitas dejaron tras su expulsión y hoy mantienen los más de cuatrocientos miembros de la Escuela de San Ignacio de Moxos, Bolivia, o la primera polifonía en quechua. El musicólogo Francisco Núñez incide en el origen americano de muchos de los géneros actuales, como el cajón peruano, el flamenco o, entre otros, el zapateado.

En este 2024 son numerosas las efemérides hispanoamericanas que dan especial importancia al estreno de esta cinta, como el hecho de que se cumplan quinientos años de la conquista del Perú; doscientos de la independencia de Hispanoamérica (con la Batalla de Ayacucho en Perú en 1824) o los cinco siglos de la llegada de los primeros franciscanos a Veracruz.

Como se concluye a lo largo del documental: «El relato de santos indígenas y demonios españoles nos despoja de la verdad sobre tres siglos de la incomparable América Hispana, nuestra casa común. Es preciso recuperar y restituir la historia tantas veces manipulada y olvidada».

Dondiegos. Caléndulas. En su tierra, una vez que comenzaban a agostarse, recogían las semillas de su interior, con las que alimentaban a los cuyes, que luego vendían en el mercado de La Barquita. A este lado del océano resultaba pintoresco escuchar que la carne de las cobayas pasaba por ser un bocado exquisito.

Al hablar de esos animalillos Abigail recordaba a su hermana. De toda la familia fue la única que probó la carne de cuy. Un sacrificio inútil. La enfermedad estaba ya muy avanzada y ni las proteínas del animal consiguieron aliviar la palidez de su rostro. Otro angelito que marchaba con el Señor, dijo, llorando, sor Nuris, la monja que se encargó de rezar el responso en el entierro.

Abigail intentaba seguir los pasos de su hermana criando cuyes, no sólo por aumentar los ingresos familiares, sino para elevar el ánimo de su madre, maltrecho hasta la depresión. “No pretendas lo imposible, Abi –protestaba la mujer–, cada cual vale para lo que nació, y a ti la naturaleza no te dotó de esa gracia. Ni de ésa ni de ninguna”. Abigail la había oído bisbisear más de una vez que ojalá el Todopoderoso se la hubiera llevado a ella, y no a la hermana. Su adolescencia adelantada le alcanzaba a perdonar semejante sentimiento, si bien éste iba dejando poso y agrietando su alma.

– Recuéstate un poco, deja que te recoloque los almohadones antes de la medicación. Mañana toca visita médica y no queremos que te encuentre mal.

Las señoritas la cuidaban como a una emperatriz. Abigail nació fuerte, no como Altagracita, ni como las gemelas Daraidis y Gema. La primera era la favorita de Abigail, casi como una hija –las separaban diecinueve años–, la más curiosa y cariñosa de ambas. Vinieron cuando nadie ya las esperaba. Fue el bálsamo que suturó todos los desgarrones del corazón de la madre. Cierto que Dios se le había llevado a una niña, mas, a cambio, le envió otras dos. A Abigail no le importó que todo el cariño que se había ido malquistando durante el duelo de Altagracita se derramara por entero en las gemelas, sin que nadie reparara en lo muy necesitada que ella andaba de atenciones. Veía sonreír de nuevo a su madre, y con eso bastaba.

Daraidis nació tocada por la magia de la melodía: a los seis años destacaba sobremanera como solista en el coro de la hermana Nuris. Por el contrario, Gema, desentonaba hasta en el habla cotidiana, pero había heredado el manejo de la difunta hermanita con los cuyes. Sus ojos, enormes y de un verde brillantísimo, detalle éste poco habitual en las mujeres dominicanas, le valieron el sobrenombre de Luciérnaga, como las diminutas estrellas fugaces que tejían de estelas luminosas los espacios entre los flamboyanes del parque, donde Juansito aguardaba noche tras noche la salida de Abigail. “¿Cómo va a ser que ese prieto la corteje, mi hija? –se burlaba de ella la madre, por no creerla merecedora de las atenciones del único de la quinta que había conseguido escapar de la miseria del barrio, conquistando el grado de alférez en el ejército en un tiempo inusitado–; ahora tiene pesos suficientes para aspirar a lo que quiera”.

Y Abigail evitaba desengañarla para no dejar en evidencia su envidia.

Al amor de la escasa luz de las luciérnagas, Juansito le prometía lo que siempre prometen los enamorados. Creando un marco de caléndulas, grabó en la corteza del más frondoso flamboyán las iniciales A y J, rodeando cada una de ellas con el trazo de sendas alas que merecían mejor artista. Conforme engrosaban los trazos del dibujo, adelgazaban las reticencias de Abigail hacia las intenciones de Juansito. Hasta que una noche, impertinente de mosquitos, se presentó el soldado en el parque con un anillo con forma de libélula.

– Es muy original –dijo la que menos daño le hacía al extraerle sangre.

– Es mi anillo de pedida –y nada más decirlo se arrepintió.

Las muchachas se apresuraron a cambiar de tema, más compasivas que incómodas.

– Si mañana lo autoriza el doctor, saldremos a dar un paseo hasta la Fuente del Berro, es de los parajes más bonitos de la zona.

¡Ojalá pudiera vivir lo suficiente para conocer los colores con los que se adornarían en otoño los alrededores del chalet donde pasaba su extraña convalecencia!

El médico autorizó la excursión campestre. Abigail disfrutó de cada detalle de la sierra madrileña que se ofrecía a su vista. ¡Qué sinrazones gobernaban el corazón! Toda la vida deseando escapar de la podredumbre de Los Mina, y ahora, lejos de allí, teniendo casi todo cuanto pudiera desear, daría lo que fuera por volver. Unas lágrimas delatoras pusieron en aviso a las muchachas:

– ¿Te encuentras bien?

– Todo correcto, no teman. ¿No ven que estoy riendo? –y era verdad, lloraba y sonreía–; en mi país dirían que se está casando una bruja.

Afortunadamente el día concluyó ayuno de más nostalgias: un mensaje de voz de su madre y de sus hermanas, transmitido por la magia del teléfono de una de las chicas, recompensó todo su sacrificio. Confirmaban que les había llegado el dinero, muchísimo dinero, y que Daraidis y Luciérnaga se encontraban muchísimo mejor, y que la querían muchísimo, y que en la clínica les habían asegurado que se recuperarían muchísimo más, y que Juansito la extrañaba muchísimo… Y con cada muchísimo enlatado que Abigail escuchaba, se le ensanchaban un poco más las aurículas, y notaba más decidido el bombeo de los ventrículos. Había solicitado hablar con ellas por teléfono, una vez, sólo una, sin embargo, tal petición no podía siquiera considerarse. Se fiaban de Abigail, por supuesto, ya había demostrado su implicación en el cabal cumplimiento del primer contrato que firmaron, no obstante, cualquier palabra dicha sin querer podía dar una pista a su familia de dónde se encontraba (aunque ni ella misma lo supiera con exactitud) y eso pondría en peligro el segundo y más importante contrato.

– ¿Y cómo te decidiste a continuar? –quiso saber la que le proporcionaba a escondidas onzas de chocolate con leche.

– Ya perdí a una hermanita, y las gemelas se enfermaron. En Dominicana la clínica cuesta mucha plata. No podía dejar que también se nos fueran.

– Sí, ya, pero les has enviado una fortuna. ¿No tenéis a algún otro familiar que pudiera hacerse cargo a partir de ahora?, ¿vuestro padre, por ejemplo?

Abigail se sonríe. Allá las madres son ciertas, los padres presuntivos. Es la madre la que carga con el peso de la familia, los padres van y vienen. No, no hay nadie más. Y hasta las fortunas acaban por agotarse cuando los gastos son inmensos. Abigail tiene que asegurarse de que Luciérnaga y Daraidis vivirán lo suficiente para enamorarse. De Juansito no tiene que preocuparse, está convencida de que vivirá lo suficiente como para desenamorarse.

La última semana había transcurrido con algún audio más de su familia, excursiones a fuentes cercanas, nuevos guisos deliciosos y descanso, un descanso cada vez más profundo. El doctor no pudo disimular un gesto de satisfacción al aplicar el fonendoscopio a su pecho:

– ¡Todos los timbales del ejército de Jerjes encerrados en el corazón!

– Son mis aurículas –explicó ella–, que revientan de amor.

Ninguna de las chicas se despidió de ella. No fue necesario, sus miradas lo decían todo. Dejó sobre la mesita su anillo con la indicación de que le fuera devuelto a Juansito. Repasó la carta que tiempo atrás había escrito para su familia y estuvo conforme. Aventuraba que las gemelas preguntarían por ella, pero que el tiempo se encargaría de ir limando sus recuerdos. Su madre daría por buena la explicación de que se había enamorado de un ruso acaudalado y marchaba con él hacia su país, que procuraran olvidarla.

Abigail se arrebujó en la cama y el latido acompasado de sus ventrículos y aurículas hicieron las veces de nana. Altagracita la estaba esperando.

El cirujano salió del quirófano satisfecho. Temía que al ser tan reciente la extracción de un riñón a la dominicana, su organismo se hubiera resentido y el corazón a trasplantar no estuviera tan fuerte como sería de desear. No obstante, aquel órgano latía con insólita vitalidad. “Una chica tan joven, da un poco de pena, ¿verdad?”, comentó su ayudante. No contestó. Saber que gracias a esa organización una de sus hijas llevaba quince años viviendo de prestado lo inmunizaba contra todo remordimiento.

Vestíbulo de la Estación Sur. Me acerco al mostrador de la venta de billetes. Me inclino delante de la ventanilla y pregunto por el primer autobús a Linares.

– ¿Y llega?
– A las 15.30 ¿Ida y vuelta?
– Ventana, por favor.
– Treinta euros. ¿Con tarjeta? –me desliza el datáfono por la rendija. Dársena seis.

Treinta monedas de plata que me franquean el acceso a la dársena seis y a un asiento reclinable, junto a la ventana, al lado de otro asiento que ocupará un extraño, ignorante de los diez caracteres. «Murió padre». He echado en una bolsa dos calzoncillos, dos pares de calcetines, una camisa limpia y los pantalones oscuros. También un libro para el viaje. «Murió padre». Deambulo por la dársena haciendo memoria de cuando lo vimos aparecer en el templo. «Mira, llegó padre a despedirla», y él se acercó hasta nuestro banco y tú y yo dimos dos pasitos laterales para dejar que ocupara un lugar junto a nosotros. «Murió padre». Son las 15.25 y yo, como Gary Cooper, peso los minutos que faltan.

– ¿Para Linares? –pregunta la mujer que arrastra una maleta con ruedas.

Señalo con una elevación de barbilla y me coloco en la fila. Subo al autobús con la misma desgana con que subía al autobús del colegio. El asiento contiguo permanece vacío. Trato de conjurar, con una tos impostada y la mirada de Gary Cooper, la amenaza de que alguno de aquellos viajeros que avanzan por el pasillo, igual que soldados americanos en una selva de Vietnam, decida sentarse junto a mí. Pero mis plegarias quedan desatendidas.

– Tiene que ser difícil leer con toda la gente alrededor y el traqueteo del autobús, aunque las carreteras son ahora mejores que las de antes. Yo recuerdo cuando había que atravesar Aranjuez y Despeñaperros. ¿Qué me dice de Despeñaperros? Ahora, con la variante, ni te enteras, pero antes…por lo menos cuarenta minutos en atravesar Aranjuez. 90 kilómetros por hora y sin aire acondicionado. Y si te tocaba detrás de un camión en Despeñaperros… En comparación esto parece una nave espacial…

– Lo es –digo para mí.
– ¿Qué?
– Leer.
– ¿Leer qué?
– Que es difícil leer con gente alrededor.

«Murió padre». Todavía en la M-30. Miro alrededor y no encuentro ningún asiento libre donde huir del ocupante del asiento contiguo. Los camiones regresan de Mercamadrid con los remolques vacíos. Juego a descifrar los rótulos de los camiones, como jugábamos a descifrar las siglas cuando viajábamos al Sur en el mil cuatrocientos treinta. «Sociedad Española de Automóviles de Turismo». «Tren Articulado Ligero Goicoechea y Oriol». «Instituto Nacional de Industria». «Alta Velocidad Española». Más tarde jugaríamos a descifrar los jeroglíficos que quedaban esparcidos sobre el suelo mojado de las tardes sin él. Ahora, los rótulos de los camiones sugieren otros proyectos de vida: «Transportes Manfer» ¿Manuela y Fernando?, «Autocares Yolcar» ¿Yolanda y Carlos?, «Grupo Fergar» ¿Fernández y García?

El viajero a mi lado no detiene la cháchara. Echo mano de los auriculares, pero me doy cuenta de que los he debido dejar olvidados en la repisa, mientras guardaba en la bolsa las cuchillas de afeitar, los calzoncillos, los calcetines, los pantalones oscuros, la camisa limpia. No importa. Puedo escoger entre el reguetón del muchacho de delante –»a ella le gusta la gasolina (dame más gasolina); cómo le encanta la gasolina (dame más gasolina)»–, la música tecno que llega desde la zona media o los gritos de los hinchas de los asientos de atrás, que no se cansan de jalear los goles de Vinicius. Dejo el libro abierto sobre mis piernas.

– ¿Ve cómo difícil leer con toda la gente alrededor? Yo siempre traigo los auriculares. No se crea, que yo también leo, pero me mareo en el autobús ¿Usted se marea? Aquí me entretengo con TikTok. Hay que ver las cosas que hace la gente por aparecer en las redes sociales. El año pasado se mataron unos chinos en Portugal por hacerse un selfie en un acantilado.

Cierro el libro, dejo caer la nuca sobre el reposacabezas y cierro también los ojos. No quiero abrirlos, a ver si el ocupante del asiento contiguo deja de murmurar gilipolleces de una vez. No tengo ganas de hablar con él. No tengo ganas de hablar con nadie. No sé qué hacer para que se dé cuenta de que no quiero hablar y me deje en paz de una puta vez. Me giro hacia la ventana y hago un gurruño con el jersey para apoyar la cabeza y simular que dormito. «Murió padre». Las torres de alta tensión me parecen la misma torre de alta tensión que se repite, que se repite, que se repite. Si el viaje durara lo que la vida de padre cada una de aquellas torres representaría ¿qué? ¿dos meses, tres meses? Madrid-Linares: trescientos kilómetros. Los pájaros se encaraman a los cables y las cigüeñas, ajenas al peligro de una descarga, tejen sus nidos en lo alto de aquellas torres que me recuerdan a Mazinger Z.

– ¿Va usted a Linares? Yo nací en Linares, pero de niño me trajeron a Madrid. Mi padre trabajaba en la Standard, en Villaverde, hasta que la cerraron. De San Cristóbal de los Ángeles. Dios, cómo ha cambiado aquello. Ni la madre que lo parió reconoce el barrio…

Echo de menos las bocinas de los camiones, las luces de los coches que vienen de frente y nos avisan de la patrulla de la Guardia Civil, las curvas de Despeñaperros. La realidad de los olivos por todas partes, la merienda en Puerto Lápice. Padre detenía el mil cuatrocientos treinta en Puerto Lápice, junto a la estatua de Don Quijote. En aquella venta servían duelos y quebrantos. Yo no me atrevía a preguntar qué eran duelos y quebrantos, que me sonaban a las consecuencias de un castigo, y pedía una Fanta de naranja. Nos compraban una bolsa de patatas fritas y madre sacaba de una bolsa los filetes empanados y un huevo cocido para cada uno. «No se admiten meriendas». El autobús frena. Escucho las bocinas de los tractores que cortan la carretera y las sirenas de los antidisturbios que aceleran por el arcén.

Nos quedamos parados junto a una torre de alta tensión, como si la vida de padre quedara también detenida en el mismo lugar, igual que cuando él tenía que cambiar el neumático pinchado; el coche en el arcén, arrimado al guardarraíl, nosotros fuera del coche, mirando cómo lo iba alzando con el gato, cómo retiraba las tuercas y después encajaba la rueda de repuesto, lo mismo que los mecánicos en las carreras de Fórmula 1. Luego llegaba la preocupación de madre por si volvíamos a pinchar. «¿Qué hacemos si volvemos a pinchar?». «Murió padre». Escribo un mensaje en el móvil: «No creo que llegue a tiempo». Recibo como respuesta varios signos de interrogación colocados en la pantalla como los soldados que rinden honores a un mandatario extranjero. «Tractorada», respondo.

– No, si yo los entiendo, pero que se vayan a cortar el tráfico a la Carrera de San Jerónimo o al Palacio de la Moncloa y que no nos fastidien a la gente normal, que yo también trabajo y no tengo la culpa de la política agraria común, ni de las subvenciones, ni de que los franceses vuelquen la carga de los camiones. Que yo también tengo familia en el campo y sé lo que es el trabajo allí. Lo que pasa es que las multinacionales les imponen los precios y los márgenes ¿sabe? son cada vez menores. Y no les dejan usar pesticidas, pero en Marruecos pueden usar los pesticidas que les salga de los cojones.

Abro el libro y trato de leer a pesar del reguetón, de la música tecno, de los goles de Vinicius y de las explicaciones sobre las movilizaciones agrarias que rescata de los lugares comunes el viajero que se sienta a mi lado.

– A ver cuándo vamos a llegar a Linares.

Cierro el libro, apoyo la nuca en el reposacabezas y cierro también los ojos. «Murió padre», leo en la pantalla del móvil. «Murió padre», digo en voz alta, casi en un reflejo.

– ¿Cómo dice?
– Nada.

Chagall. Un grito de Libertad (Fundación MAPFRE hasta el 5 de mayo) ^[25] nos presenta al artista ruso como un judío errante, cronista de su tiempo, que se sirve del pincel y los personajes fantásticos para retratar una historia marcada por dos guerras mundiales, el pujante y brutal antisemitismo y varios exilios. Serenidad, armonía y esperanza son casi constantes en este recorrido a pesar de la crudeza de la época que le tocó vivir.

La Primera Guerra Mundial le sorprende a Chagall en Rusia, adonde acaba de llegar tras haber inaugurado una importante exposición en Berlín. Su intención era la de permanecer poco tiempo en su país, sin embargo, los acontecimientos le obligan a quedarse hasta el final del conflicto. Influido por la brutalidad del conflicto, realiza una serie de dibujos a tinta china en los que con un carácter documental y casi como si fueran viñetas recoge el dramatismo del momento.

De esta época son también obras como El vendedor de periódicos, donde nos presenta a un hombre mayor, cansado y de mirada resignada. De su cuello penden los diarios, cuyas noticias se diría le oprimen el pecho, dejándole apenas respirar. El cielo rojo del fondo se cierne sobre él y contrasta con el gris que domina el resto de la escena, cotidiana e histórica al mismo tiempo.

En 1915, Chagall contrae matrimonio con Bella Rosenfeld, enlace que inmortaliza dos años más tarde en su obra Doble retrato con jarra. En ella, el pintor se presenta a hombros de su esposa, sobre la que se alza con una copa de vino en actitud de celebración. Coronados por una especie de ángel morado y con Vítebsk al fondo, la escena transmite una alegría que, sin embargo, queda ensombrecida por la guerra.

En sus memorias, Chagall explicaba así las emociones del día de su boda: “Tenía ganas de huir con ella al campo, de besarla y de romper a reír… (…) Pero la guerra se cernía amenazante sobre mí. Y Europa se cerró a mis ojos”. Bella le acompañaría hasta 1944 cuando, durante su exilio en Estados Unidos, muere de forma temprana. Fue el único momento en el que Chagall dejó de pintar.

De 1917 es también La casa gris, donde el artista nos invita a viajar hasta su pueblo natal en esa especie de ensoñación que caracteriza casi toda su obra. No falta aquí uno de sus trabajos más conocidos, El violinista verde (1923 – 1924), elegida de hecho para el cartel anunciador de la muestra. En ella se nos presenta al músico como ese personaje bohemio y solitario que provisto de un solo objeto, el violín, sube al tejado para poder tocar sin molestar o quizás sin ser molestado. Al fondo, de nuevo, su pueblo, sobrevolado por uno de esos seres característicos del imaginario de Chagall. 

En 1922 abandona Rusia junto a Bella y su hija Ida. Inicialmente se instalan en Berlín, aunque pronto cambiarán la ciudad alemana por la capital francesa. En 1933, unos meses después del ascenso de Hitler al poder, el partido nacionalsocialista quema una de las obras de Chagall, El rabino. No será la única vez que le señalen y signifiquen.

La amenaza al pueblo judío, de la que el artista viene dando testimonio hace tiempo, empieza a ser cada vez más real y el ascenso del antisemitismo se cierne sobre él y su familia. Sus obras, con marcadas connotaciones políticas, reflejan esa amenaza e introduce elementos para crear confusión, jugar al despiste y evitar ser perseguido. Es el caso de Soledad, que se exhibió en París en 1940 bajo el título La vaca para no dar lugar a represalias. En ella se muestra a un rabino ausente y preocupado sosteniendo los rollos de la Torá.

Aunque Chagall se resiste a abandonar Francia, el curso de los acontecimientos le obligan a exiliarse en Estados Unidos. Llega a Nueva York en 1941 y allí coincide con otros artistas exiliados. Durante este período, sus obras muestran las atrocidades cometidas contra el pueblo judío. Sus crucifixiones y obras como el tríptico Resistencia, Resurrección y Liberación pertenecen a esta etapa.

Regreso

Volverá a Europa tres años después de acabar la Segunda Guerra Mundial y lo hará de nuevo a Francia, donde permanecerá hasta su muerte. En este tiempo realiza una serie de proyectos cuyo nexo común es la paz. Se muestran aquí algunos de ellos como el que realizó para las vidrieras del Hospital de Hadassah de Jerusalén (1962) y las de la sede de Naciones Unidas en Nueva York (1963-1964).

La muestra es una oportunidad para conocer hechos trascendentales de la historia contemporánea a través del que es considerado uno de los grandes artistas del siglo XX. Dotado de una imaginación desbordante, Chagall es capaz de hacernos soñar pero también de sentir el horror cercano, lo que nos lleva una vez más a reflexionar sobre nuestro presente.

Tras dos años de recuperación después de la pandemia, el mercado se contrajo el año pasado un 4%, pasando de 67.800 millones de dólares a 65.000 y volvió a situarse cerca de la cifra registrada en 2019 (64.400 millones) una vez ajustada la inflación.

Una de las razones principales de esta contracción es el descenso de las ventas en las obras de mayor precio, aquellas que están por encima de los 10 millones de dólares. El informe sitúa esta situación en «un contexto de aumento de los tipos de interés, inflación obstinadamente alta, guerras e inestabilidad política [que] se filtró en una compra más selectiva y cautelosa en la gama alta del mercado». Estas ventas de «gama alta» habían sido fundamentales para el crecimiento pospandémico experimentado en 2021 y 2022.

 

En EE.UU., tras alcanzar en 2022 un máximo histórico de 30.200 millones de dólares, el mercado experimentó una desaceleración, con un descenso del 10%, hasta los 27.200 millones, ligeramente por debajo de su nivel prepandémico. Pese a ello siguió siendo el centro de las ventas mundiales de obras de mayor precio, pero la contracción también se reflejó en una disminución de las ventas en este extremo superior del mercado.

China, liberada por fin de las ataduras de la COVID-19, superó a Reino Unido como segundo mercado mundial, con una cuota del 19%, mientras que Reino Unido retrocedió al tercer puesto, con una cuota del 17%.

Después de mostrar mucha resistencia a las intensas presiones económicas y políticas en 2021 y 2022, las ventas en Reino Unido disminuyeron un 8%, hasta los 10.900 millones de dólares en 2023. Pese a todo, el país sigue siendo un centro clave para las ventas de las obras de mayor precio. Pero la disminución de estas ventas de gama alta, junto al de las importaciones, contribuyeron a la caída de su mercado en 2023, dejando los valores un 11% por debajo de su nivel anterior a la pandemia (12.200 millones en 2019).

Francia se mantuvo como cuarto mercado, con un 7% de las ventas mundiales, mientras que la cuota de España fue del 1%, lo que nos sitúa en la octava posición global, compartida con Japón.

«Pesimismo esperanzador»

El mercado mundial del arte experimenta regularmente contracciones. Si se observa un gráfico de los últimos 15 años de crecimiento de las ventas por valor se observan caídas en 2020, 2019, 2016, 2015 y 2012, algunas mucho mayores que el descenso del 4% de 2023. Lo que distingue a este año, según McAndrew, es la «caída de las ventas de grandes entradas. La reserva de los grandes patrimonios en el extremo superior del gasto es más pronunciada que en otros años de caídas».

Sin embargo, las previsiones no son del todo pesimistas. De hecho, el volumen de comercio mundial aumentó en 2023: las galerías con un volumen de negocio inferior a 500.000 dólares registraron el mayor incremento de ventas, un 11%. Aunque esto sugiere buenas noticias para las galerías de nivel medio, que corren cada vez más el riesgo de ser absorbidas por empresas más grandes, McAndrew insiste en los peligrosos efectos del aumento de los costes al que se enfrentan los marchantes de todos los niveles.

Como en muchos otros sectores, este aumento de los costes fue el principal reto para las empresas de este mercado en 2023, y la rentabilidad se convirtió en una métrica más vigilada que las ventas. En 2024, la atención de muchas empresas ha pasado de la expansión rápida a toda costa a la búsqueda de formas de lograr un crecimiento sostenible, la rentabilidad y la estabilidad mientras siguen navegando por un futuro económico y político incierto.

Las ventas totales en línea, incluidas las realizadas directamente y a través de terceros, representaron el 23% de las ventas totales de los dealers en 2023, aumentando un 7% interanual y en línea con 2021. El mayor crecimiento se produjo en las ventas a través de los canales en línea y sitios web propios, que representaron el 20% en 2023, frente al 12% en 2022.

En general, el informe dibuja un panorama cauto pero no exento de esperanza. El 36% de los encuestados se mostraron optimistas sobre las ventas para este 2024, frente al 45% del año anterior, también hay que tener en cuenta el descenso previsto de los tipos de interés y el debilitamiento de la inflación.

Lo cierto es que 2023 subraya que los sectores del arte y el lujo no son inmunes a los cambios financieros, sociales o políticos perturbadores y, como subraya Noah Horowitz, CEO de Art Basel, este informe «revela tendencias decisivas y tendencias emergentes dentro del negocio global del arte a las que hay que estar muy atentos».

Años 20. En la pequeña y cerrada localidad costera de Littlehampton, la devota Edith Swan (Olivia Colman), única hija de una más que conservadora familia, y otros habitantes de la localidad empiezan a recibir cartas escritas con un lenguaje tan excéntrico como obsceno. El anónimo remitente no se corta y demuestra una habilidad extrema a la hora de utilizar los más procaces, rebuscados y ofensivos insultos.  

Rápidamente las sospechas recaen sobre Rose Gooding (Jessie Buckley), una joven y desenfada vecina, que tampoco se corta a la hora de mostrar su abierta personalidad y que ve cómo su libertad y la custodia de su hija peligran debido a estas acusaciones.

Mientras las cartas siguen escandalizando a la población, la agente de policía Gladys Moss (Anjana Vasan) pondrá su ingenio a trabajar para resolver el misterio y atrapar al verdadero culpable de un embrollo que tiene patas arriba a toda la población.  

Bajo la dirección, tan ágil como el relato pide, de Sharrock, y guion del actor y escritor Jonny Sweet, protagonizan Pequeñas cartas indiscretas la ganadora de un Óscar y un Bafta Olivia Colman y Jessie Buckley. Completan el reparto Anjana Vasan, Timothy Spall, Joanna Scanlan, Hugh Skinner, Malachi Kirby y Gemma Jones.

Fue la propia Olivia Colman la que se puso en contacto con Jessie Buckley para que se uniera al proyecto y le envió el guion: «Quería que trabajásemos juntas y que compartiésemos escenas porque sabía que nos lo pasaríamos en grande, como así fue. No se me ocurría y sigo sin pensar en nadie mejor que Jessie para dar naturalidad al personaje y soltar todas esas palabrotas».

Por su parte, Buckley confesó que cuando leyó el guion se quedó impresionada. «Lo tuve clarísimo desde el principio. Quería participar en esta maravilla de filme. Es una historia tan llena de vida, tan humana y tan traviesa que sabía que me lo pasaría pipa. Es uno de los rodajes en los que me he divertido más».

Y para la realizadora de cine y teatro inglesa Thea Sharrock «trabajar con Colman y Buckley ha sido un placer. Son unas currantas, grandes profesionales, muy volcadas en su trabajo y con mucha experiencia a sus espaldas. Lo hacen todo fácil y eso se percibe en el resultado final».

Y el resultado ha logrado que esta pequeña/gran película se haya convertido en las primeras semanas de proyección en la comedia más taquillera de los últimos años en Reino Unido.