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Cuotas para avanzar hacia la igualdad

En sus propuestas de mejora, el Informe aboga por «poner en marcha de forma decidida acciones positivas que obliguen a un reparto equitativo del poder cultural y del derecho de las mujeres a crear, producir, exhibir y difundir sus obras en condiciones de igualdad. Las meras recomendaciones no imperativas se han mostrado insuficientes». Así considera que «no será posible levantar las barreras estructurales que persisten sin la introducción de claras cuotas en favor de las mujeres». Para las autoras del documento, en este campo varias son las direcciones en las que será necesario actuar de forma simultánea: «en los procesos de selección de los principales puestos de legitimación cultural y artística, en especial en las direcciones artísticas; y en todas aquellas actividades que conlleven la creación, producción, distribución, exhibición o programación de obras, tanto de nueva creación como las ya existentes».

En el Informe se considera también importante «poner en cuestión uno de los discursos más ampliamente extendidos a muy diversos niveles en relación con la demanda de una mayor representación de las mujeres en acciones y programaciones». Así, a menudo se interpreta que la introducción de medidas de acción positiva entraría en colisión con la libertad artística de las personas que asumen la dirección artística de los centros y espacios públicos de creación y exhibición cultural: «Es ésta una creencia derivada de la falsa idea de que la única y auténtica creación artística es aquella que tiene lugar sin limitaciones. Apreciación errónea que no tiene en cuenta que la intervención pública en el marco de la Constitución ha de tener lugar siempre dentro de las restricciones que impone el cumplimiento de los principios de igualdad y derecho al libre desarrollo de la personalidad de todas las personas que conforman la ciudadanía. Es obligación imperativa del Estado actuar sobre la realidad de forma tal que, estableciendo las medidas y condiciones necesarias, se levanten las barreras que impiden que dichos principios se hagan efectivos».

10 conclusiones

1. Los factores sociales, culturales, económicos y de todo orden que inciden y enmarcan la vida de las mujeres, limitando su desarrollo personal y profesional, hacen que la sociedad pierda una gran parte del capital invertido en desarrollar el talento y la capacidad de producción de las mujeres. Una vez desarrollado ese potencial en el ámbito educativo, lo desecha y no disfruta de su rendimiento. Ni en términos culturales –puesto que las mujeres no terminan incorporando sus particulares visiones del mundo a los relatos construidos colectivamente– ni desde el punto de vista económico, en términos de producción de riqueza en un campo como la creación que, en un futuro progresivamente más robotizado, adquirirá cada vez mayor valor. 

2. La inquietud por la igualdad se ha incorporado y está presente en las distintas áreas del Ministerio y en los organismos vinculados a él, sin embargo es un interés aún vago que no termina de tomar forma. La idea de igualdad y las medidas que la Ley propugna no llegan a incorporarse de forma decidida ni a la normativa específica, ni a sus políticas o planes de actuación para traducirse en medidas concretas y eficaces en la acción sobre la realidad práctica.

3. A pesar de que las medidas puestas en práctica han mejorado los índices de acceso al poder ejecutivo global, estas se muestran insuficientes para lograr que las mujeres compartan el poder y sus responsabilidades en igualdad de condiciones que los hombres. Como se ha puesto de manifiesto, tanto antes como después de la aprobación de la Ley, las mujeres en puestos de máxima responsabilidad (con categoría de dirección general o superior) no superan un tercio del total. Es imprescindible el equilibrio en el poder ejecutivo si se quiere alcanzar la igualdad en las restantes posiciones de poder.

poder ejecutivo

4. Se constata la eficacia de la Ley a la hora de imponer su principio de presencia equilibrada en los órganos colegiados y mejorar la participación de las mujeres en la gobernanza de la cultura. Sin embargo hay diferencias notables según el tipo de órgano colegiado de que se trate. Un ejemplo extremo es el de los patronatos, los órganos colegiados con mayor poder de todos los estudiados, que se han mostrado los más refractarios a la incorporación de las mujeres, que apenas superan el 25%.

5. La desigualdad en el acceso al poder ejecutivo tiene efecto multiplicador de la desigualdad sobre el poder de participación de las mujeres en otros ámbitos de gobernanza.

6. El ámbito de poder más inexpugnable para las mujeres es, sin duda, el poder cultural. El poder de legitimación artística es abrumadoramente masculino. El análisis de los puestos directivos de los centros con producción o programación cultural vinculados al Ministerio, bien sea por dependencia directa o mediante adscripción o consorcios, muestra una distribución global por sexos del 77% y del 22% para hombres y mujeres respectivamente. Pero si de las direcciones se detraen las direcciones técnicas y gerenciales, y se analizan exclusivamente a las direcciones artísticas, la desigualdad aumenta hasta un reparto del 82% y del 18%.

En el ámbito de los museos estatales dependientes de la Subdirección General de Museos se aprecia mayor equilibrio, pero en los grandes referentes nacionales las direcciones artísticas presentan cifras del 100% (Museo del Prado y Thyssen-Bornemisza) o del 81% en el caso del Museo Reina Sofía. El ámbito de las artes escénicas y de la música es en el que la subrepresentación de las mujeres en tareas de dirección artística es mayor. En las diversas disciplinas –teatro, danza, música, lírica–, la presencia de las mujeres se sitúa entre el 4% y el 18%.

7. Una de las conclusiones principales de este estudio gira alrededor de la baja representación de las mujeres en las acciones llevadas a cabo por el Ministerio y las entidades analizadas, lo que constata la insuficiencia de las medidas adoptadas para conseguir que las mujeres disfruten de iguales oportunidades de creación, distribución y exhibición de su producción cultural y artística. Si se mantuvieran los ritmos de cambio apreciados en el análisis durante los últimos veinte años, el lapso temporal hasta alcanzar la paridad sería enorme.

8. Se han identificado acciones puntuales de acción positiva que ponen de manifiesto la capacidad del Ministerio de modular e incluso invertir la baja representación –cuando no la discriminación y clara exclusión– que sufren las mujeres en determinados ámbitos artísticos. 

9. Se ha identificado también la presencia de barreras internas y sesgos a los que no son inmunes las mujeres. Así, en campos con un claro predominio de mujeres se han constatado casos en los que también éstas, con sus acciones, refuerzan la consolidación del poder de legitimación de los hombres. 

10. Existe una brecha salarial en el ámbito de las actividades artísticas, recreativas y de entretenimiento y una brecha de género en el empleo cultural dentro del ámbito de actuación del Ministerio y entidades vinculadas que es de tipo vertical y no horizontal, en gran parte, proyección de las desigualdades estructurales que condicionan el acceso de las mujeres al empleo en la sociedad en su conjunto y que constituyen lo que se denomina el techo de cristal.

10+1. Una de las grandes amenazas de carácter global y transversal para el avance de la igualdad y el futuro profesional de las mujeres se proyecta también ámbito de la cultura. La brecha tecnológica y digital que amenaza la igualdad futura de las mujeres se confirma en el campo cultural en todos los niveles, en el ámbito educativo, pero también en el profesional. Los entornos formativos y profesionales con vinculación tecnológica tienen mucha menor presencia de mujeres en los diversos ámbitos artísticos. Es fundamental alertar sobre el impacto que dicha desigualdad producirá en un futuro no muy lejano en el que la tecnología, la digitalización y la robotización de los procesos irá en aumento.

Impulso

El objetivo del Observatorio de Igualdad de Género es el impulso de la presencia de las mujeres y de la igualdad de oportunidades en todas las manifestaciones culturales y en los puestos de responsabilidad competencia del Ministerio. El estudio fue realizado entre el segundo semestre de 2019 y el primero de 2020 bajo la dirección de la investigadora Fátima Anllo [1] por encargo del Observatorio, en el que también participan las asociaciones Clásicas y Modernas, Mujeres en las Artes Visuales, Mujeres en la Música, Mujeres en la Industria de la Música y la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales.

Más información:

Sobre la injerencia política en el Museo Patio Herreriano

Publicado por Carlos en En Artes Visuales,Museos,Política | Sin comentarios

Por todo ello pide responsabilidad política, solicitando la dimisión de Ana Redondo, concejala de Cultura y Turismo del Ayuntamiento de Valladolid, por los siguientes motivos:

– No conocer ni entender su función como responsable político con relación al Museo Patio Herreriano y por el inaceptable desdén hacia las decisiones técnicas tomadas por la dirección del mismo. Un buen gestor de lo público fomentará la independencia científica practicada por equipos profesionales y facilitará los recursos presupuestarios y humanos necesarios para desarrollar su labor. Nunca tratará de imponer su voluntad o intereses personales en la programación.

– Ordenar desmontar la exposición de la prestigiosa artista Eva Lootz, Premio Nacional de Artes Plásticas, antes de finalizar su periodo de exhibición, para programar una muestra sin contar con el consenso de la dirección del museo y sin atender a sus criterios técnicos, lo que no sólo contraviene el Documento de Buenas Prácticas en Museos y Centros de Arte, sino que supone una interpretación de la gestión de lo público por un responsable político francamente reprochable.

– Menospreciar públicamente a la Dirección del Museo, a quienes han formado parte de su programa, y al conjunto de la comunidad artística en el artículo aparecido el domingo 18 de octubre, en El Norte de Castilla [7], y en el que sugería, en un tono vulgar y despreciativo inaceptable en quien ostenta un cargo público, que el Museo Patio Herreriano ha de someterse al dictado de quienes han sido legítimamente elegidos por la ciudadanía. Esto supone un nuevo ataque a la independencia del programa de la Dirección del Museo, elegido, insistimos, en un concurso público amparado por el Documento de Buenas Prácticas.

Por estas razones la Mesa Sectorial del Arte Contemporáneo pide que se rectifique por parte del equipo de gobierno del Ayuntamiento de Valladolid, y no se programen actividades ni exposiciones que no cuenten con el visto bueno de la dirección del museo, respetando las Buenas Prácticas mediante el fomento de la independencia y la gestión profesional del museo.

Javier de Isusi gana el Premio Nacional del Cómic

Publicado por Carlos en En Novela gráfica,Premios | Sin comentarios

El jurado ha elegido este cómic por su “guion perfectamente articulado con una introducción y coda final que evocan la representación del teatro de la vida, y una brillante caracterización de los personajes mediante el acertado recurso de entrevistas individuales”. También destaca que “las ilustraciones, muy sugestivas y al servicio de la narración, son el resultado de un excelente dominio de la acuarela de tinta sepia, con sutiles transparencias y diferentes planos de profundidad marcados por el virtuosismo en el empleo tonal de una misma gama cromática”.

La divina comedia de Oscar Wilde le ha llevado a Javier de Isusi casi cinco años de trabajo. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros y tiene como objeto distinguir la mejor obra de esta especialidad publicada en cualquiera de las lenguas españolas durante el año anterior.

Drama perfecto

Oscar Wilde murió exiliado en París en noviembre de 1900 a la temprana edad de 46 años, tan sólo tres después de salir de prisión, en la ruina moral y económica, alcoholizado e incapaz de escribir una línea. El escritor, dramaturgo y poeta entendía la vida como una obra de arte y, según dijo en numerosas ocasiones, era en su vida donde había puesto todo su genio, mientras que en su obra sólo su talento.

Le gustaba mirarse en el espejo de La Divina comedia y comparar sus momentos vitales con los de la obra de Dante. Su vida es el drama perfecto de quien ha alcanzado todo lo que el mundo puede ofrecerle para luego perderlo de golpe. La divina comedia de Oscar Wilde, de Javier de Isusi, ateniéndose fielmente a lo que se sabe de la existencia del escritor, desborda esos límites para imaginar lo que podría haber pasado por dentro de su alma en esos tres últimos años.

Rinde, además, un prolijo homenaje a toda su obra mediante citas y referencias textuales que transmiten buena parte de las ideas de Wilde, todo ello contado a través de sus encuentros con las personas que más le acompañaron durante ese periodo final.

Biografía

Javier de Isusi estudió Arquitectura en las escuelas de San Sebastián y Lisboa. Acabada la carrera prueba brevemente la profesión y emprende un viaje que le llevará durante un año a recorrer buena parte de Latinoamérica. Al volver decide dedicarse a lo que siempre ha querido hacer: contar historias en viñetas.

[8]

Después de ganar algunos premios en diversos concursos empieza a publicar en 2004 Los viajes de Juan Sin Tierra, tetralogía inspirada de alguna manera en sus propios viajes, que pronto comenzó a traducirse en otras lenguas y que comprende los siguientes títulos: La pipa de Marcos (Astiberri, 2004), La isla de Nunca Jamás (Astiberri, 2006), Río Loco (Astiberri, 2009) y En la tierra de los Sin Tierra (Astiberri, 2010).

Tras finalizar la saga retoma junto con Luciano Saracino los guiones del cómic colectivo Historias del olvido (Dolmen, dos tomos, 2007 y 2011), escribe La partida del soldado, cuento ilustrado por Leticia Ruifernández (El Jinete Azul, 2011), ilustra la novela El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde (Astiberri, 2012), y dibuja Ometepe (Astiberri, 2012), cómic con guion de Saracino y que incluye referencias a la tetralogía Los viajes de Juan Sin Tierra.

Con He visto ballenas (Astiberri, 2014) –editado también en euskera, francés y alemán– es nominado a los premios de los festivales de cómic más importantes de España y Francia. En 2015 publica para CEAR-Euskadi (Comisión Española de Ayuda al Refugiado de Euskadi) Asӯlum, una nueva novela gráfica que aborda la temática de los refugiados desde distintos puntos de vista, y que, en 2017 coeditan CEAR y Astiberri.

Jurado

El jurado, presidido por María José Gálvez, directora general del Libro y Fomento de la Lectura, y actuando como vicepresidenta Begoña Cerro Prada, subdirectora de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas, ha estado formado por Christian Martínez Rodríguez, por la Asociación de Autores de Cómic de España (AACE); Elías Taño, por la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP); Sara Sánchez Asensi, por la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL); José Antonio Serrano, por la Asociación de los Críticos y Divulgadores de Cómic de España; Ascensión Ciruelos, por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Celia Fraile, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Mónica Carabias, por el Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid; Francisco José Martínez Roca, por parte del Ministerio de Cultura y Deporte, y Miguel Ángel Giner Bou, en representación de los galardonados en la convocatoria de 2019.


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El Prado presenta su primera guía para teléfonos inteligentes y tabletas

Publicado por Carlos en En Artes Visuales,Educación,Internet,Museos | Sin comentarios

“Esta aplicación quiere servir -subraya Miguel Falomir, director del Prado- tanto al visitante no iniciado como al especialista, y acercar el Museo a un público cada vez más numeroso e interesado en obtener una información clara y precisa de las obras que en él se conservan. Nuestro deseo es que esta guía acompañe e ilustre a quienes tengan el placer de recorrer las salas, y que aproxime la colección a quienes no puedan hacerlo”.

Esta versión en formato aplicación, la primera guía del museo disponible para teléfonos inteligentes y tabletas, permite abrir la institución a millones de usuarios repartidos por todo el mundo. En su versión impresa, esta guía, publicada por primera vez en 2008, se ha convertido en su publicación con mayor difusión, más de 600.000 ejemplares vendidos en 10 idiomas.

Escuelas y autores

Categorizada por escuelas y autores, incluye más de 400 obras comentadas por los principales conservadores y especialistas del Museo, que trasladan al usuario información acerca de la historia narrada en cada lienzo, la personalidad de su autor, su importancia en el conjunto de las colecciones u otros asuntos de interés con datos actualizados en 2020. Además, todas las obras incluyen una ficha técnica y sus imágenes están accesibles para la descarga en alta definición.

De navegación sencilla, cuenta con una presentación general, una historia del Museo y capítulos que agrupan las obras en torno a un artista, un género, una época, una escuela, etc.

La aplicación está disponible en español e inglés, y próximamente en francés, alemán, italiano, portugués, japonés, chino, ruso y coreano, tanto en Android como en iOS en los siguientes enlaces de descarga:

Galaxy Store [13]

Play Store [14]

Apple Store [15]

Esta es la segunda aplicación del Prado después de El Tesoro del Delfín [16], y se suma al reciente lanzamiento de obras en la aplicación S Pen Academy [17].

5,49 euros

Los usuarios podrán acceder a todo el contenido de la aplicación a un precio de 5,49 euros, aunque hasta el 21 de noviembre aquellos que dispongan de dispositivos Samsung compatibles podrán hacerlo de forma gratuita.

Listado de obras maestras que se pueden consultar siempre de forma gratuita:

1. La Trinidad. El Greco

2. Las meninas. Velázquez

3. La Inmaculada Concepción de los Venerables. Murillo

4. La familia de Carlos IV. Goya

5. El Cardenal. Rafael

6. Mesa de los pecados capitales. El Bosco

7. Orestes y Pílades o Grupo de San Ildefonso. Anónimo

8. Salero de ónice con sirena de oro. Anónimo

9. Carlos V en la batalla de Mühlberg. Tiziano

10. La Adoración de los Magos. Rubens


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El toque Lubitsch

Publicado por Carlos en En Cine,Ficción | Sin comentarios

Seguramente estaba compuesto por un argumento sólido y elegante; por el refinamiento de los diálogos, a menudo cargados de doble sentido o de una fina ironía para provocar la sonrisa o acentuar la diversión; por lo que sugería o insinuaba en cada escena, que era tanto o más que lo mostrado, y el erotismo subyacente en muchas de sus películas, puesto a buen recaudo de los censores por la sutileza con la que se planteaba.

Detrás de sus comedias, de apariencia ligera, se ocultaba siempre un guion muy trabajado y, con frecuencia, un importante compromiso moral y social, así como un cierto gusto por ese mundo brisado de un romanticismo que ya no era (¿qué mujer puede resistirse a un ladrón que, después de colarse en su alcoba, es capaz de preparar una cena así?: “Ha de ser una cena maravillosa. Quizá ni la probemos. Pero es preciso que lo sea. Camarero, ¿ve esa luna? Quiero ver esa luna en el champán”).

Sus películas procuraban no contar del todo la historia que trataban, procurando abrir la mente del espectador, incitándole a que adivinara lo que estaba ocurriendo o podía ocurrir y, a veces, incluso invitándole a participar en la elaboración definitiva del guion.

Lubitsch nunca dio importancia alguna al hecho de llamarse Ernesto. Tenía la memoria de los árboles de hoja perenne, siempre verde, el entendimiento veloz, como el movimiento de los felinos, y la voluntad tan resistente como la naturaleza del diamante. Era un judío alemán con la mirada descarada, el oído fino y el corazón tan frágil como corajudo. Sin necesidad de separar las aguas del mar rojo cinematográfico, pasó de la orilla muda a la sonora con su vara mágica para detectar el sitio preciso de los ruidos y de los silencios, y continuó viaje hacia la tierra que él mismo se había prometido con su equipaje cargado de insolencia, humor inteligente, relativismo certero, e indulgencia para las humanas flaquezas, sabedor de que algunas de ellas podían alimentar de manera sustanciosa escenas como las que se adivinaban tras los planos de sus puertas cerradas. Y esa tierra a la que pretendía llegar, y llegó, no era otra que aquella en la que se podía celebrar cada día el hecho de estar vivos, incluso en medio de la amargura, y en la que no se debía tomar en serio ninguno de los convencionalismos sociales.

Antes y después de que la palabra fuera hecha en el cine, Ernest Lubitsch tuvo claro que había que huir de las vulgaridades, construyendo gags visuales que hablaban por sí solos de un príncipe y de otros muchos personajes, o buscando sorpresas para un bazar, como la de encontrar en medio de la rutina de la tienda de la esquina una historia de amor que parecía estar sacada de las páginas de Dickens.

Desde siempre supo que era necesario utilizar la trama, que llega hasta donde no llega la intriga, incluso cuando ésta pueda haber sido maquinada por un ángel, caído o con capacidad de vuelo a ras de cielo. Manejó el sarcasmo para resolver el ser o no ser de la situación más terrible, como aquella por la que pasó, en medio de innumerables peripecias, una compañía de teatro en la Varsovia ocupada por los nazis. Fue un maestro en la utilización de detalles sutiles, como el empleado para hacer ver que una irredenta bolchevique, que atiende al nombre de Ninotchka, ha sucumbido a los encantos del capitalismo que un sofisticado sombrero es capaz de ofrecer, arrastrando en su rendición todas las rigideces del ridículo sistema soviético.

Hizo el amago de morirse con la única intención de que su amigo Sam Raphaelson le hiciera un obituario para luego corregírselo sin tocar una sola palabra y extraer de él un buen epitafio: “amaba las ideas más que nada en este mundo”; cuando se murió de verdad, su secretaria de toda la vida gastó el dinero que había conseguido ahorrar en comprar una tumba junto a la suya, antes de que pudieran hacerlo Billy Wilder, François Truffaut o Woody Allen. Puede que lo hiciera para no tener cada mañana en el más allá la nostalgia del más acá o, quizás, porque también ella había descubierto que Freundschaft era el último toque Lubitsch.

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María Reig: “La ficción debe respetar el momento histórico que aborde”

Publicado por lopeziglesias en En Escritores | Sin comentarios

– ¿Cuál es o debe de ser el sentido último de la literatura en general y de la narrativa en particular?

Estimular la mente, enriquecer y hacer disfrutar o sentir al lector. Es un triple objetivo que, desde mi punto de vista, puede alcanzarse a través de numerosas fórmulas y géneros.

– ¿Siente que la excelente acogida a su anterior novela, Papel y tinta, marca su carrera como escritora?

Creo que Papel y tinta ha sido un primer paso precioso y emocionante en este camino. Ojalá tenga la oportunidad de seguir dando más y compartir con los lectores todas las ideas que tengo en la cabeza.

– ¿Cómo definiría su nueva obra, Una promesa de juventud?

Es una novela de ficción histórica que nos lleva en primer lugar al Oxford de los años setenta. Allí conocemos a Caroline Eccleston, una estudiante de doctorado que está investigando los internados internacionales suizos que estaban en funcionamiento antes y durante la Segunda Guerra Mundial. A ella le obsesiona ese tema, ese contexto en que se mezcla la situación de un país neutral que lucha por mantenerse al margen desde el epicentro de la contienda y unos colegios que cuentan con alumnado de multitud de países. En su búsqueda se topa con un internado que cerró sus puertas de forma misteriosa en el curso 1939-1940, St. Ursula. Su determinación por conocer qué ocurrió hará que tome contacto con Charlotte, una ex alumna de esa escuela que le abrirá la puerta de sus recuerdos y la llevará hasta ese último curso en St. Ursula.

– ¿Por qué el lector debería acercarse a sus páginas?

Es una historia con un punto de vista distinto sobre la Segunda Guerra Mundial. Las personas que se animen a descubrirla podrán conocer cómo se vivió el conflicto en Suiza e integrarse en la vida de estos colegios internacionales ubicados en la Confederación Helvética. En medio de este viaje en el tiempo hallarán secretos e intrigas, así como los vínculos de amor y amistad que unen a los personajes en un tiempo tan complejo.

– ¿Con qué idea o mensaje le gustaría que el lector se quedase?

Con la amistad como un valor que va mucho más allá de las diferencias.

– ¿Por quién se siente literariamente influenciada?

Considero que cada libro que leo me aporta algo. Los escritores que más me han marcado han sido Carlos Ruiz Zafón, María Dueñas, León Tolstoi y Jane Austen.

– La historia, la recreación histórica como elemento fundamental de sus libros… ¿es así?

Exactamente. Es el punto de partida y el pilar en el que trato de apoyar todas las historias que se me ocurren. Para mí es importante respetar, en todos sus aspectos, el momento histórico escogido para ambientar una novela. Además siempre es un reto estimulante.

– ¿A quién lee María Reig? Recomiéndonos tres libros que le hayan impactado?

Cometas en el cielo de Khaled Hosseini; Orgullo y prejuicio de Jane Austen y La sombra del viento, de Carlos Ruiz Zafón.

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Alba Cid gana el Premio Nacional de Poesía Joven

Publicado por Carlos en En Poesía,Premios | Sin comentarios

“Es poesía -prosigue el fallo- tanto del conocimiento como de la emoción, y presenta una nueva cartografía en la que se funden el mapa del cuerpo con el del planeta, la memoria y el enigma”. El jurado también destaca que es una obra “escrita con la lógica del asombro y llena de referencias culturales que se contemplan desde una mirada excéntrica que fermenta en rebeldía”.

[18]

Alba Cid es poeta e investigadora en poesía contemporánea. Ha participado en volúmenes como Poética da casa (2006) y en la antología de Apiario No seu despregar (2016). Publica textos de creación y reseñas en revistas como Grial, Luzes, Tempos Novos o Dorna, y es colaboradora de Radio Galega. Sus poemas han sido traducidos al español, griego, inglés y portugués, y han aparecido en Oculta Lit, The Offing e Poem-a-Day, una serie web de la Academy of American Poets. Actualmente está a cargo del Centro John Rutherford de Estudios Gallegos de la Universidad de Oxford.

El premio, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros. Su jurado, presidido por María José Gálvez, directora general del Libro y Fomento de la Lectura, ha contado con la vicepresidencia de Begoña Cerro, subdirectora de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han participado Luis Goytisolo, por la Real Academia Española; Manuel Rivas, por la Real Academia Gallega; José Manuel López Gaseni, por la Real Academia de la Lengua Vasca; Àngels Gregori, por el Instituto de Estudios Catalanes; Jorge Urrutia, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Miguel Losada, por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); Araceli Iravedra, por la Asociación Española de Críticos Literarios; Marta García Miranda, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Ana Isabel Zamorano, por el Centro de Estudios de Género de la UNED; Javier Vela Sánchez, por el Ministerio de Cultura y Deporte, y Xaime Martínez Menéndez, autor galardonado en la convocatoria de 2019.

Jesús Carmona e Iratxe Ansa ganan los Premios Nacionales de Danza

Publicado por Carlos en En Danza,Premios | Sin comentarios

El jurado ha propuesto la concesión de este galardón a Carmona por la “profundidad de su trabajo creativo en el que la investigación arranca del respeto a la tradición e innova con destreza reflexiva convirtiendo en material coreográfico un rico repertorio de experiencias”. También destacan la “constante búsqueda de su esencia creativa”, así como “su personalidad y marcado carácter como intérprete”. “Todos estos rasgos quedan claramente patentes en sus últimos espectáculos Impetu’s, Amator y El salto”, concluye.

Por su parte, Iratxe Ansa ha sido reconocida por su “dimensión como intérprete, que le hace brillar más allá de su trabajo puramente físico” y por la “maestría con la que alimenta el cuerpo para trascender la técnica en una constante y versátil evolución”. El jurado ha destacado también el “tratamiento coreográfico de sus interpretaciones, abordadas desde una profunda investigación escénica, rasgos que definen su personal concepción de la danza y la creación y que quedan reflejados en sus recientes trabajos Travellus (2018) y Dog talks (2019)”.

Estos premios, que concede anualmente el Ministerio de Cultura y Deporte, están dotados con 30.000 euros cada uno.

Jurado

El jurado, presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel, y actuando como vicepresidente el subdirector general de Música y Danza, Antonio Garde, ha estado compuesto por los siguientes vocales: el bailaor y coreógrafo Manuel Liñán; Arantxa Carmona, pedagoga, coreógrafa y directora del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma; Joaquín de Luz, bailarín, coreógrafo y director de la Compañía Nacional de Danza (CND); la catedrática de análisis y práctica de repertorio de danza contemporánea del Conservatorio Superior de Danza de Valencia, Carmen Giménez Morte; José Vélez Gómez, director del Festival Internacional Cádiz en Danza; Rosa San Segundo, catedrática de la Universidad Carlos III de Madrid; Rafael Estévez, en representación de Estévez/Paños y Compañía, Premio Nacional de Danza 2019 en la modalidad de Creación, y Dácil González, Premio Nacional en la modalidad de Interpretación en la pasada edición.

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Victoria Iranzo gana el 35 Premio BMW de Pintura

Publicado por Carlos en En Pintura,Premios | Sin comentarios
Rue Africaine de Victoria Iranzo.

Iranzo, de 31 años, ya recibió la Beca Mario Antolín en el año 2014 por su obra Protective custome. Rue Africaine es una de las obras más representativas del proceso de creación que ha ido desarrollando durante los últimos años. En él sienta las bases de un imaginario personal que parte principalmente de la idea de pintura como campo de batalla. Frente a la fluidez del tiempo, los cambios y la inseguridad que el presente y el futuro provocan, la figura se presenta ante todo erguida, frontal, sin miedo.

Como cada año, la entrega de premios se ha celebrado en el Teatro Real de Madrid con la asistencia de la Reina Doña Sofía y el alcalde de Madrid, José Luis Martínez-Almeida.

El presidente del jurado ha sido Enrique de Ybarra, que también ha contado con Tomás Paredes, presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte; Carmen Iglesias, miembro de la Real Academia Española y de la Real Academia de la Historia; y Luis María Anson, periodista y escritor, presidente de El Imparcial y miembro de la Real Academia Española.

El resto de artistas finalistas de este año han sido Alejandra Freymann con Sobre espejos iluminados (sur); Alejandro Calderón con Contigo; Ana Barriga con La ofrenda; Cristina Toledo con Messages from spirits; Diego Vallejo Pierna con Negativo; Guillermo Mora con 2001 en 2020, y José Luis Cremades con Plain air.

Desde 1986 han participado en este galardón más de 25.000 artistas y el certamen se ha consolidado como la iniciativa privada con mayor dotación económica.

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El arte de concienciar al desnudo

Publicado por Carlos en En Artes Visuales,Opinión | Sin comentarios

Los desnudos del Thyssen-Bornemisza reflejan sensualidad y erotismo, cuentan historias reales o imaginadas, mitológicas o bíblicas… en ocasiones violentas, en otras muestran tentación y deseo, celebración y pecado, placidez o tensión, en los que ellas posan de pie, sentadas o recostadas.

Ahora bien, todas comparten otro rasgo en común que las distingue de otras obras de temática similar de otras grandes pinacotecas: son las protagonistas de la campaña de concienciación Busca la diferencia por el cáncer de mama [19], que comienza coincidiendo con el Día Internacional de la enfermedad, que se celebra este lunes, 19 de octubre, y que este año promovemos desde Roche [20], con el apoyo inestimable del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, junto con la Sociedad Española de Oncología Médica (SEOM) [21] y la Federación Española de Cáncer de Mama (FECMA) [22], que representa a más de 45.000 afectadas por este tumor en nuestro país, el más frecuente en la población femenina.

¿Pero qué han hecho realmente por el cáncer de mama la ninfa de la fuente de Cranach, la mujer que sueña de Franz Marc o la joven de Bordone que se baja lo justo el vestido? ¿Qué han hecho la Venus de Rubens y la de Saraceni? ¿Qué es exactamente lo que ha hecho por la enfermedad la Eva que pintó Baldung o la de Gossaert, aparte de compartir escena cada una de ellas con su respectivo Adán en cuadros que son magníficos estudios del desnudo femenino?

Pues todas ellas y otras más, hasta sumar una docena larga, se han duplicado para la ocasión y cada copia del original ha experimentado cambios muy ligeros para que juguemos a identificarlos: puede ser un brazalete de perlas o un anillo, un mechón de pelo o el propio ombligo, el agua de una fuente que deja de manar o la desaparición de un jarrón.

Todo ello con un objetivo, el de invitarnos a jugar buscando esas diferencias y darnos, con cada acierto, información sobre el cáncer de mama, sobre cómo reducir el riesgo de desarrollarlo, sobre la importancia de su diagnóstico precoz y la necesidad de seguir avanzando frente a la enfermedad metastásica y de que se aborde siempre por un equipo multidisciplinar, entre otros muchos datos y consejos.

¿Jugar al tiempo que se disfruta del arte y nos concienciamos sobre la enfermedad? Sí, primero porque el mejor arte es único como única es cada paciente y, segundo, porque eso es precisamente lo que hace cada día la investigación oncológica: buscar diferencias, poder, como dice el doctor Álvaro Rodríguez-Lescure, presidente de SEOM, profundizar en una investigación cada vez más diferenciada de los tumores, esa misma que hace posible que ya no se considere el cáncer como un todo uniforme, sino como enfermedades muy diversas que comparten características comunes.

Sabemos que no hay dos pacientes iguales por muchos motivos pero uno de ellos es la biología del tumor; profundizar en su conocimiento es clave para que se trate en función de sus peculiaridades genéticas, porque eso se traduce, en suma, en más casos de curación, control de la enfermedad, calidad de vida y supervivencia.

Siempre merece la pena acercarse al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza; si lo hacen en estos días apuren el tiempo deleitándose frente a Venus y Cupido de Rubens. Luego anímense a tratar de recordar los detalles modificados del cuadro con los juegos de la campaña Busca la diferencia: disfrutarán más del arte del genio del Barroco y, además, tomarán conciencia del valor de seguir investigando frente al cáncer de mama.

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Chano Domínguez gana el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2020

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Asimismo ha subrayado sus numerosas colaboraciones con otros grandes artistas y proyectos nacionales e internacionales, como ponen de manifiesto sus últimos trabajos: Chano y Colina, junto a Javier Colina; Paramus con Hadar Noiberg y A bola de nieve, junto a Martirio.

El músico y pianista ha sido pionero en la creación, divulgación y fidelización del jazz-flamenco tanto a nivel nacional como internacional.

De formación autodidacta, a los ocho años sus padres le regalaron su primer instrumento, una guitarra flamenca, y a los 18 ya había formado su primer grupo, CAI, con el que grabó tres discos para la compañía CBS. En los 80 dio el salto al panorama jazzístico internacional con el grupo Hiscadix, ganador de la Primera Muestra Nacional para Jóvenes Intérpretes celebrada en Palma en 1986.

Más tarde participaría en otros certámenes internacionales en Suecia, Alemania y Bélgica. En 1990 llegó a la final del concurso internacional de piano Martial Solal, celebrado en París. Su estilo fue elogiado por músicos como Richie Beirach, Bill Dobbins, Joe Henderson y Kenny Werner, con los que tuvo oportunidad de estudiar en diferentes seminarios.

En 1992 formó su propio trío, con la idea de fusionar los ritmos del flamenco (alegrías, soleás y bulerías) y las formas musicales del jazz, y editó su primer trabajo en solitario, Chano. Los años siguientes serían de colaboraciones clave junto a artistas como Michel Camilo, Jorge Pardo y Martirio, con la que grabaría Coplas de madrugá y, posteriormente, Hecho a mano, un disco clave en su madurez estilística.

En diciembre de 1997 apareció su disco en directo Piano Solo. La década continuó con colaboraciones nacionales e internacionales: participó en el disco Lorquiana de Ana Belén y produjo y dirigió Tú no sospechas, de la compositora cubana Marta Valdés. El siguiente disco fue el premiado Imán, en el que contó con la colaboración de Enrique Morente, Luis de la Pica y Blas Córdoba, junto a su habitual trío.

Más tarde participaría en el proyecto de Fernando Trueba Calle 54, en el que Chano era el único músico español junto a artistas como Tito Puente, Gato Barbieri, Chucho Valdés, Paquito D’Rivera, Jerry González, Michel Camilo o Eliane Elías. En 2002 grabó Oye como viene, disco nominado a los Premios Grammy en la categoría de Jazz Latino. Durante 2002 realizó varias giras por Europa y América con su sexteto, junto a los artistas de la película Calle 54, presentándose en los festivales de Montreux y Estambul y en ciudades como Washington, Los Ángeles o Philadelphia.

En 2003 efectuó una gira por EE.UU. y fue invitado por Wynton Marsalis para actuar en el Lincoln Center de Nueva York, presentando su nueva composición De Cádiz a Nueva Orleans para sexteto de jazz-flamenco y Big Band. Actuó también en los Festivales de Chicago y San Francisco y, durante este periodo, editó varios discos: Con alma, Chano Domínguez 1993-2003, Acoplados y Acércate más.

En su búsqueda de nuevos retos intervino en el espectáculo de ballet que reunía El sombrero de tres picos de Manuel de Falla y El café de chinitas de Federico García Lorca. En esa misma etapa actuó en el Auditorio Nacional de Madrid junto a la Orquesta Nacional de España con su obra De Cádiz a Nueva Orleans.

En 2006 crea su New Flamenco Sound, una nueva visión de la fusión del jazz y el flamenco que incorpora nuevos instrumentos como los teclados y la guitarra eléctrica. Más tarde llegarían QuartierLatin, junto a Paquito D’ Rivera, y Piano Ibérico, en el que interpreta las composiciones de Granados, Falla y Mompou; Kind of Blue, nominado a un Grammy en 2012. Entre sus últimos trabajos destaca Chano Revisited, su debut como compositor de música sinfónica.

Jurado

Este premio, que concede anualmente el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 30.000 euros. Su jurado ha estado presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel, actuando como vicepresidente el subdirector general de Música y Danza, Antonio Garde. Además ha contado con los siguientes vocales: Dania Dévora, productora musical y directora del Festival Womad para España y Portugal; Alberto Grandío, presidente de la Asociación Cultural Coordinadora Estatal de Salas Privadas de Música en Directo (ACCES); Almudena Heredero, gestora cultural y directora de Primavera Pro; Diego Rodríguez de Juan, director y presentador del programa El sótano de Radio 3; Julio Ruiz Llorente, director y presentador del programa Disco Grande de Radio 3; Carmen Zapata, presidenta de la Asociación de Mujeres de la Industria de la Música; y María Rodríguez (Mala Rodríguez), última galardonada con este premio.

Entre los premiados en convocatorias anteriores se encuentran también Christina Rosenvinge (2018), Javier Ruibal (2017), Martirio (2016), Jorge Pardo (2015), Carmen París (2014), Luz Casal (2013), Kiko Veneno (2012), Santiago Auserón (2011), el Dúo Amaral (2010) y Joan Manuel Serrat (2009).

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Ayudas para la modernización e innovación en el sector de las artes visuales

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Se trata de una nueva iniciativa para apoyar al sector cultural dirigida a los trabajadores autónomos, pequeñas empresas y microempresas del arte visual. Pintores, escultores, ceramistas artesanos, grabadores y artistas similares, como fotógrafos artísticos y documentales, podrán acceder a ellas.

Las ‘Ayudas para la investigación y creación artísticas en el campo de las artes visuales’ tienen como objetivo “fomentar e impulsar la actividad artística como un servicio público, favoreciendo el desarrollo, el perfeccionamiento y la innovación de los lenguajes visuales contemporáneos, alentando la investigación en esta disciplina y estimulando la interrelación entre la creación artística y la sociedad en la que se instala y desenvuelve, garantizando, desde los poderes públicos, el fortalecimiento de unas expresiones culturales fundamentales en el progreso de las comunidades en que se desarrollan”.

Los conceptos por los que se puede solicitar estas ayudas son la creación, investigación y producción de proyectos artísticos en el campo de las artes visuales (incluidas la fotografía artística y documental), siempre que no estén encaminados a la obtención de una titulación académica. La actividad subvencionable deberá estar finalizada como máximo el 31 de marzo de 2021.

Por su parte, las ‘Ayudas a la modernización e innovación digital del sector de las artes visuales’ tienen como objetivo “favorecer la transformación digital y la innovación de todos los integrantes del mercado de arte en España, la innovación, así como permitir su implicación en las comunidades a las que sirve a través de canales de comunicación digital”.

Del mismo modo, la convocatoria busca favorecer la creación artística y especialmente las expresiones artísticas digitales, las nuevas prácticas empresariales, el desarrollo económico del sector, la planificación y las sinergias entre todos los implicados, así como la comunicación y la difusión internacional del proyecto.

La actividad subvencionable también deberá estar completada, como máximo, el 31 de marzo de 2021.

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Spanish Brass y Raquel García Tomás, Premios Nacionales de Música 2020

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El jurado ha resuelto conceder el premio a Spanish Brass por su “dilatada trayectoria consolidada en más de 30 años de profesión como uno de los quintetos de metales más versátiles y relevantes del panorama nacional e internacional”. Subraya, además, las “numerosas colaboraciones que ponen de manifiesto su compromiso con la creación contemporánea española” y “su vocación formativa y pedagógica, que ha sabido crear escuela y hacer llegar la música a las jóvenes generaciones”.

Por su parte, Raquel García Tomás ha sido reconocida por el “carácter interdisciplinar, innovador y arriesgado de un lenguaje compositivo singular y propio” y por la “calidad experimental de su trabajo, que ha sabido conectar con el público, como pone de manifiesto el estreno en la temporada 2018/2019 de su ópera Je suis narcissiste”. Asimismo, el jurado ha querido destacar la “amplitud y diversidad de su catálogo, que no se centra exclusivamente en el teatro musical, sino que incluye obras interpretadas por los solistas y grupos más relevantes de la actualidad”.

Interpretación

Spanish Brass, fundada en 1989 en el marco de la Joven Orquesta Nacional de España, está integrada por Carlos Benetó Grau (trompeta), Juanjo Serna Salvador (trompeta), Manuel Pérez Ortega (trompa), Indalecio Bonet Manrique (trombón) y Sergio Finca Quirós (tuba).

Este quinteto de metales, con más de treinta años de trayectoria en la música de cámara, es uno de los más dinámicos del panorama musical español. La nueva creación y las obras de encargo son algunas de las constantes en su repertorio, interpretando programas con títulos inéditos tanto de compositores contemporáneos consagrados como de jóvenes talentos. Han estrenado obras de Salvador Brotons, César Cano, José Manuel López, Víctor Vallés y Javier Martínez Campos, entre otros.

Su actividad musical dentro y fuera de España, con giras que les han llevado a países como Estados Unidos, Francia y Corea del Sur, se complementa con su faceta formativa y divulgativa, impartiendo cursos de música de cámara en aulas especializadas de trombón, trompeta, trompa y tuba para jóvenes instrumentistas. Asimismo organizan dos festivales internacionales dedicados a los instrumentos de metal: el Festival Spanish Brass Alzira y el Brassurround, donde se reúnen cada año destacados solistas internacionales, grupos y los profesores de metal de mayor prestigio internacional.

El quinteto español ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos, algunos de los más prestigiosos para este tipo de formaciones, como el Primer Premio del 6º Concurso Internacional para Quintetos de Metales “Ville de Narbonne” (Francia) en 1996, el I Premio Bankia al Talent Musical en la Comunitat Valenciana (2017) y el Premio Espai Ter de Torroella de Montgrí (Gerona) en 2019.

Han publicado 26 trabajos discográficos y han colaborado con otras disciplinas artísticas, como en la pieza teatral La Fundación de Buero Vallejo para el Centro Dramático Nacional y en la película Descongélate, de Félix Sabroso, para la productora El Deseo.

Composición

Raquel García Tomás (Barcelona, 1984) es una compositora especializada en creación interdisciplinar. Doctora por el Royal College of Music de Londres, dentro de sus proyectos más destacados se encuentran creaciones conjuntas con el English National Ballet, la Royal British Society of Sculptors, la Royal Academy of Arts y el Dresdener Musikfestspiele.

En la temporada 2015/16 fue compositora invitada del festival de música contemporánea Sampler Sèries de L’Auditori de Barcelona, y actualmente es la compositora residente de las Residències Musicals de la Fundació Catalunya – La Pedrera. En 2017 fue galardonada con el Premio El Ojo Crítico de Música Clásica.

A lo largo de su carrera, su música ha sido estrenada en numerosas salas nacionales (L’Auditori de Barcelona, el Palau de la Música Catalana, el Teatre Lliure, el Palau de la Música de València, el Teatro Español y el Museo Reina Sofía, entre otros) e internacionales, visitando ciudades como Berlín, Dresde, Karlsruhe, Colonia, Hamburgo, Stuttgart, Estocolmo, Ámsterdam, Luxemburgo, Budapest, Viena, Orleans, Lyon, Basilea, Lausana, Oporto, Lisboa, Edimburgo, Nagoya, El Cairo, Rosario, Buenos Aires y, especialmente, Londres.

Además de colaborar con numerosos ensembles, destacan sus trabajos en el terreno de la creación operística, con piezas como DIDO Reloaded, producida por Òpera de Butxaca i Nova Creació. Asimismo ha colaborado como compositora y videocreadora con el director de escena Matthias Rebstock en la creación de Büro für postidentisches Leben, coproducida por el Festival GREC de Barcelona y la Neuköllner Oper de Berlín.

En 2015 estrenó disPLACE – II. Història d’una casa (texto de H. Tornero y dirección escénica de Peter Pawlik) en el festival MusikTheaterTage Wien, ópera que, en febrero de 2017, se interpretó en los Teatros del Canal dentro de la programación general del Teatro Real.

En la temporada 2017/18, García Tomás estrenó el monodrama Balena Blava para actriz, orquesta, coro y electrónica, en el Teatre Nacional de Catalunya con dirección escénica de Xavier Albertí y dirección musical de Edmon Colomer.

Recientemente ha estrenado su nueva ópera Je Suis Narcissiste (libreto de H. Tornero y dirección escénica de M. Pazos) dentro de la programación general de las temporadas 2018/19 del Teatro Real de Madrid, Teatro Español y Teatre Lliure de Barcelona. Actualmente se encuentra nominada a los International Opera Awards 2020 en la categoría de World Premiere.

Jurado

Estos reconocimientos del Ministerio de Cultura y Deporte están dotados con 30.000 euros cada uno.

El jurado, presidido por la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), Amaya de Miguel, y actuando como vicepresidente el subdirector general de Música y Danza, Antonio Garde, ha incluido a los siguientes vocales: la soprano Raquel Andueza; Anna Caballé, escritora, crítica literaria, profesora universitaria y presidenta de la asociación Clásicas y modernas; Montserrat Faura, directora del Festival de Música de Torroella de Montgrí; el musicólogo Javier Marín López; Javier Menéndez, director del Teatro de la Maestranza de Sevilla; Félix Palomero, director técnico de la Orquesta y Coro Nacionales de España y Asier Polo, Premio Nacional de Música 2019 en la modalidad de Interpretación.

Los premiados en anteriores convocatorias han sido, además de Polo (Interpretación) y Félix Ibarrondo (Composición); el Cuarteto Quiroga y Javier Darias en 2018; Teresa Catalán y Rosa Torres-Pardo en 2017; Antoni Parera y Juanjo Mena en 2016; Alfredo Aracil y María José Montiel en 2015, María de Alvear en 2014; Benet Casablancas y Trío Arbós en 2013; Jesús Torres y Javier Perianes en 2012; Alberto Posadas y Orquesta Barroca de Sevilla en 2011.

Charles, el vagabundo

Publicado por Carlos en En Cine,Ficción | Sin comentarios

Charlot fue el vagabundo capaz de salir de las situaciones más inverosímiles con habilidad y fantasía. El vagabundo que no quiso empuñar las armas, sino echárselas al hombro, como uno se echa los días. El vagabundo que sabe que, mirada de cerca, la vida es una tragedia, pero, vista de lejos, no deja de ser una comedia. El vagabundo que, cocinando una suela de zapato, fue capaz de transformar el sufrimiento en una sonrisa, cosa que no consiguen los poetas, que, para el dolor, no suelen tener palabras, sino gritos. El vagabundo que descubrió la quimera del oro y deambulaba entre las luces de la ciudad. El vagabundo que dio el abrigo de su amistad a un chico que vivía a la intemperie. Al fin, el vagabundo que se negó a ser una pieza más en la cadena de producción en serie a la que llevan los tiempos modernos.

Después te transformaste en un vagamundo en camino hacia el amanecer para volver a ser Chaplin, pero tampoco tuviste tiempo de ensayar. Había llegado el tiempo de las trompetas apocalípticas, cuyo estruendo había hecho que se abriera la jaula de las fieras. Simplemente dejaste tu bastón en la puerta del barbero judío y tomaste la palabra para convencer a Hannah de que empezaba a ser posible viajar hacia la esperanza, libres del gran dictador. Para convencernos a todos de que, si se juega a la codicia con el globo terráqueo, este puede acabar explotando.

Antes de que cayera el telón, creíste equivocadamente que un viejo vagabundo no tiene gracia y buscaste el aplauso final echándote a la inmensa llanura cinematográfica por nuevas rutas quijotescas. Era el mismo aplauso que con tanto afán buscaba Calvero, el comediante que encarnó como nadie la eterna lucha entre las fuerzas creadoras y las fuerzas destructivas del ser humano. Para entonces ya habías encontrado, sin necesidad de recurrir a la policía ni al FBI –estaban ocupados en tu propia persecución–, que la mezcla de vicio y virtud contenida en el alquimista Verdoux es, en mayor o menor proporción, idéntica a la de cada hombre, a la de todos los hombres.

Al cabo, ya nos habías persuadido de que, después de todo, la vida es hermosa, si no se le tiene miedo y sí una sonrisa a mano.

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Olga Novo gana el Premio Nacional de Poesía 2020

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El galardón, concedido por el Ministerio de Cultura y Deporte, está dotado con 20.000 euros.

Olga Novo es doctora en Filología Gallega por la Universidad de Santiago de Compostela. Voz destacada de la poesía contemporánea en gallego, es autora de una obra entroncada con propuestas radicales surrealistas y libertarias, marcada además por un profundo vitalismo telúrico, el feminismo, la memoria agraria y el erotismo. Así se plasma en la antología Los líquidos íntimos (Cálamo, 2013), donde Novo ha vertido al español una parte esencial de su obra, ofrecida además en su lengua original.

De sus tres primeros poemarios publicados, A teta sobre o sol (1996), Nós nus (1997, Premio Losada Diéguez de Creación) y A cousa vermella (2004), la crítica ya destacó su gran torrente vivencial y su fuerza expresiva, unidas a una honda y personal sensualidad. Con posterioridad ha publicado Cráter (2011), Premio de la Crítica.

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Asimismo, es autora de dos poemarios en colaboración: Magnalia (2001), con el también poeta Xoán Abeleira y la pintora Alexandra Domínguez; y Monocromos (2006), con el pintor Concetto Pozati. También ha publicado libros de ensayo y colabora con varias publicaciones culturales. Tras licenciarse en Filología Gallega ha compaginado la labor literaria con la docencia.

El jurado, presidido por María José Gálvez, directora general del Libro y Fomento de la Lectura y actuando como vicepresidenta Begoña Cerro, subdirectora de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas, ha estado formado por Inés Fernández-Ordóñez, por la Real Academia Española; Ana Romaní, por la Real Academia Gallega; Sebastián García Trujillo, por la Real Academia de la Lengua Vasca; Marta Pessarrodona, por el Instituto de Estudios Catalanes; Vicent Salvador Liern, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Ana Bueno de la Peña (Ana Rossetti), por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); Francisco José Díaz de Castro, por la Asociación Española de Críticos Literarios; Aurelio Martín González, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Rosa M.ª García Rayego, por el Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid; Juan Carlos Pérez Mestre, por el Ministerio de Cultura y Deporte, y Pilar Pallarés, autora galardonada en la convocatoria de 2019.

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