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The brutalist
Tres horas y media que pasan como un suspiro. The brutalist, la propuesta de Brady Corbet protagonizada por Adrien Brody, lo logra. En el ámbito de la cinematografía de las grandes epopeyas gravitan sobre esta soberbia producción cuestiones tan diversas como la devastación del nazismo y las huellas del fascismo más allá de Europa, el derecho a vivir y a trabajar, el que también tiene el creador para hacerlo en libertad y los peajes de la ambición y del capitalismo sin límites.
Ganadora del León de Plata a la mejor dirección en el último Festival de Venecia, la cinta ha sido galardonada con tres Globos de Oro como mejor película dramática, actor y director.
En condiciones muy precarias y huyendo de la Europa de la posguerra el visionario arquitecto húngaro de ascendencia judía László Toth llega a Estados Unidos en 1947 animado por la propuesta de un familiar que allí vive. Deja atrás un penoso pasado marcado por los campos de concentración. Arriba al nuevo continente con el propósito de reconstruir su vida, su obra y su matrimonio con Erzsébet, su esposa, tras verse obligados a separarse durante la guerra como consecuencia de la terrible situación política y de los consiguientes cambios de regímenes y fronteras.
LocaMente
Con LocaMente el cineasta y escritor Paolo Genovese (Roma, 1966) deja una de esas propuestas que trascienden lo que en un principio parece, una comedia más, para sin apartarse de los códigos de ese género adentrarse en una inteligente y entretenidísima reflexión sobre el amor y las complejas relaciones de pareja.
Cae la noche y Piero acude a su primera cita con Lara. El encuentro se va a producir en una cena en la casa de ella. Nerviosos ambos, intentan impresionarse, pero dentro de sus cabezas reina el caos. Las múltiples personalidades que ocupan su mente — la romántica, la racional, la insegura, la erótica y la pasional— pelean por el control de la situación.
En el intento de mostrar cada cual su mejor cara, su versión más seductora, dialogan, discuten, y entre verdades, confidencias, mentiras piadosas y otras que no lo son tanto, se cruzan miradas, nervios y silencios. ¿Quién ganará la batalla interior? ¿El corazón o el deseo? Las expectativas son altas, la noche está abierta y promete.
The sleeper. El Caravaggio perdido
Apasionante documental de Álvaro Longoria que sigue la pista a lo largo de tres años de un cuadro, -inicialmente atribuido como pieza menor al círculo de José de Ribera-, que pasó desapercibido durante siglos hasta que un grupo de coleccionistas y especialistas en arte antiguo sospechó que podría tratarse de una obra perdida de Caravaggio. Acertaron. Se trataba del Ecce Homo del genio de Merisi con lo que de los 1.500 euros en los iba a ser subastada pasó a ser valorada en más de 300 millones.
Colgada en Madrid en el salón de la familia Pérez de Castro, – descendientes de Evaristo Pérez de Castro, redactor de la Constitución de Cádiz de 1812- que ignoraba la joya que tenía en sus manos, el Ecce Homo de Caravaggio es un ejemplo de lo que el mercado del arte denomina sleeper (obra durmiente): una pintura olvidada o mal atribuida hasta que los expertos la redescubren como la obra maestra que es.
El último suspiro
Admirable por trayectoria y espíritu, Konstantinos Costa-Gavras (Atenas, Grecia, 12 de febrero de 1933) sigue a sus 92 años a pie de cámara convirtiéndose en leyenda como autor de un modo de hacer cine que vive y bebe de la realidad social y política.
Este año ha estrenado El último suspiro, una sensata, real y desgarradora reflexión sobre la muerte digna que se aleja de juicios y sensiblerías para, a través de la conversación entre un médico y un filósofo, dejar en la pantalla inteligentes preguntas que nos acercan a algunas posibles respuestas.
María Callas
Angelina Jolie es María Callas. María Callas es Angelina Jolie. La actriz construye la interpretación más verdad de su carrera en la película dirigida por Pablo Larraín que rescata los días finales de la diva, sus últimos paseos, conversaciones, caprichos, amarguras, recuerdos, compañías, achaques… el canto que cerró su vida.
Tras Jackie, dedicada a Jacqueline, la que fuera esposa del presidente Kennedy y del multimillonario Onassis, y Spencer, centrada en Lady Di, el realizador chileno cierra su trilogía de mujeres icónicas del pasado siglo trazando, también en esta ocasión, personales retratos de sus biografiadas en los que escarba con respeto en vivencias y emociones que marcaron sus vidas. Al hacerlo conduce al espectador por viajes íntimos, clarividentes, hacia esas mujeres que desafiaron expectativas e hicieron época.
Vermiglio
Nieva sobre la vida. Nieva sobre la nieve en Vermiglio, la película que toma título de la remota población de los Alpes italianos en la que la realizadora italo-argentina Maura Delpero traza un luminoso retrato familiar en el que confluyen atribulados personajes marcados por el peso de tradiciones no deseadas y la lucha por liberarse de ese corsé.
Ganadora del Gran Premio del Jurado en Venecia y ser finalista de los Oscar como mejor film internacional, Vermiglio compone un sutil entramado sobre los sobrecogedores paisajes en los que transcurre la acción.
La Segunda Guerra Mundial también está llegando a Vermiglio, un solitario lugar enclavado en la región alpina de Trentino. La inesperada llegada al pueblo de un soldado desertor va a suponer un antes y un después en la vida de sus habitantes.
La larga marcha
La larga marcha encoge el corazón. Francis Lawrence, director de Soy leyenda y Los juegos del hambre adapta el distópico relato de Stephen King para dejar en la pantalla una de las películas más inquietantes del año. No hay respiro para los jóvenes que protagonizan una terrible y cruel caminata que también deja sin aliento al espectador.
Si nos atenemos al estricto significado del término distopía, aquella representación (ficticia) de una sociedad futura de características negativas que provoca la alienación humana, la Larga marcha es distópica hasta las trancas. Lo que vemos nos presenta a un grupo de cien jóvenes que en un futuro cercano y arriesgando su vida por dinero, participan en una brutal caminata en la que no hay línea de meta y en la que sólo hay un ganador. El último en venirse abajo. El único que sobrevivirá.
Memorias de un cuerpo que arde
El amor pasional, los incendios del sexo tienen poco que ver con la edad cronológica. Así lo sostiene Memorias de un cuerpo que arde, la mulpremiada película de la directora, guionista y productora costarricense Antonella Sudasassi que, alejándose de tabúes e ideas establecidas, promueve un desprejuiciado y clarividente diálogo sobre el sexo en la tercera edad reivindicando con rotundidad que nunca es tarde…
La película retrata la historia de Ana, Patricia y Mayela, que educadas en una era represiva en Chile, aunque pudiera ser en otros muchos lugares donde la sexualidad estaba vetada, fueron encontrando el significado de la feminidad que les había sido secuestrada.
Lee Miller
Con su cámara y a menudo poniendo en juego su propio pellejo Lee Miller le abrió los ojos al mundo. Suyas son algunas de las más descarnadas imágenes de los campos de concentración tomadas muy poco tiempo después de que los nazis huyeran. Kate Winslet, también responsable de la producción, pone cara y cuerpo a la emblemática corresponsal de guerra en un film dirigido por Ellen Kuras que rescata a una fotógrafa imprescindible.
Como explica la propia Winslet, la película sigue, durante la Segunda Guerra Mundial, a Elizabeth Miller (Poughkeepsie, Nueva York, 23 de abril de 1907 – Sussex, Inglaterra, 21 de julio de 1977), Lee Miller para la historia, célebre y polífacética como ex modelo, artista de vanguardia, fotógrafa de moda y sobre todo, rescatando la década 1938-1948 en la que el largometraje se centra, la fotoperiodista que retrató la masacre de los campos de concentración.
Lumiére. La aventura continúa
En 2025 se cumplieron 130 años del nacimiento del cine. Entonces, en 1985, los hermanos Louise y Auguste Lumière rodaban en Lyon La salida de la fábrica. Aquellos 46 segundos inauguraban un arte que sigue llenando los sentidos de millones de personas.
Ahora, Thierry Frémaux, director del Instituto Lumière y del Festival de Cannes presenta Lumière, la aventura continúa, todo un espectáculo cinematográfico basado en 120 películas, nunca vistas e impecablemente restauradas, que sumen al espectador en un apasionante viaje a los orígenes del cine.
Vida en pausa
Para que una película sea profunda, descarnadamente perturbadora no precisa de imágenes truculentas. Vida en pausa, del director de cine y teatro griego Alexandros Avranas es un ejemplo muy claro. Ni una gota de sangre, ni violencia física alguna para dejar un escalofriante mensaje ligado al llamado Síndrome de Resignación Infantil, una misteriosa patología descrita en Suecia que paraliza y deja en coma a niños de familias de refugiados. Inspirada en hechos reales, parece abordar un fantasioso tema de ciencia ficción pero, lamentablemente, no lo es.
Tonos apagados para una acertada puesta en escena que nos sitúa en el país escandinavo en el reciente 2018. Allí, un inexplicable síndrome afecta a niños y niñas en un sociedad que tiene en la seguridad y el orden una de sus inconfundibles señas de identidad.
Núremberg
La salud mental de los dirigentes nazis vertebra Núremberg, la película dirigida y escrita por James Vanderbilt, cuyo estreno coincidió con el ochenta aniversario del inicio de los juicios que, en aquella ciudad alemana, condenaron a los altos oficiales responsables del Holocausto.
A través de una puesta en escena que reproduce milimétricamente el espacio en el que se desarrollaron los hechos y el rescate, también muy minucioso, de los diálogos, testimonios y declaraciones que entonces de produjeron, Núremberg, basado en el volumen El nazi y el psiquiatra, publicado en 2013 por el periodista norteamericano Jack El-Hai, nos sitúa de pleno en los juicios celebrados tras la derrota del régimen nazi.
Aquellas sesiones comportaban desafíos éticos y jurídicos pues hasta entonces no se habían dirimido tales delitos en proceso alguno. Pero tuvieron lugar. Los Juicios de Núremberg, iniciados el 21 de noviembre de 1945, jugaron un papel crucial en la definición de los crímenes de guerra y establecieron las bases de la justicia internacional tal y como la conocemos en la actualidad.
Black dog
Cautivadora. Hipnótica. Black dog , del realizador chino Guan Hu, habla de redención, esperanza y afecto a través del encuentro entre un taciturno individuo que acaba de cumplir condena y un famélico perro callejero. Muy lejos de ñoñas entregas de amistad entre animales y seres humanos, esta aventura cargada de simbolismo nos hace cómplices de dos marginadas almas abocadas a la soledad que se descubren y se acompañan para sobrevivir.
Ganadora como Mejor Película en la sección Un Certain Regard de la pasada edición de Cannes y del premio a la Mejor Dirección y Mejor Fotografía en la SEMINCI Black dog, aclamada allí donde se ha proyectado, contiene también y posibilita un paseo-mirada por una China semisalvaje habitualmente no reflejada en las pantallas.
Münter y el amor de Kandinsky
La de Gabriele Münter y Wassily Kandinsky es una pasional historia en la que confluyen entregados amores e injustos olvidos, traiciones y redenciones. Así lo confirma Münter y el amor de Kandinsky, el largometraje dirigido por el cineasta Marcus O. Rosenmüller que pone foco en la amante del pintor, una artista clave del expresionismo alemán injustamente eclipsada durante décadas. Por ello, la película se erige como un acto de justicia y un homenaje a una creadora adelantada a su tiempo.
Lejos de ser un simple biopic sobre dos figuras clave del arte moderno, el filme traza una mirada profundamente humana sobre una relación marcada por la desigualdad, el silencio y la resiliencia. Al tiempo reivindica la figura de Münter como mujer moderna, libre y visionaria.
Los colores del tiempo
Escrita y dirigida por Cédric Klapisch Los colores del tiempo coloca su historia en el corazón de un viaje en el tiempo que transita por nuestra propia era y la de finales del siglo XIX, para rendir homenaje a los artistas de la imagen, aquellos que en otras épocas pintaron, filmaron o fotografiaron para dejar constancia de cuanto le debemos al pasado.
Con un guion soberbiamente ensamblado por el propio Klapisch y Léa Mothet que mezcla dos períodos marcados por eclosiones artísticas e insospechados avances tecnológicos, la historia nos sitúa en el Paris de hoy. Allí, en 2025, una treintena de personas de una misma familia se enteran de que van a heredar una casa abandonada desde hace años. Por decisión mancomunada cuatro de ellos se encargan de hacer el inventario. Al hacerlo irán descubriendo fotos y objetos; tesoros escondidos entre aquellas paredes desde hace mucho, mucho tiempo.
La chica de la aguja
No se sale indemne de La chica de la aguja, la sórdida película del director sueco afincado en Polonia Magnus von Horn que encoge el corazón, especialmente porque este drama rodado en blanco y negro y receptor de premios allí en donde se exhibe, está basado en hechos reales acaecidos en Dinamarca después de la Primera Guerra Mundial.
En el desolado ambiente que la contienda ha dejado a su paso Karoline, una joven trabajadora de una fábrica textil de Copenhague, lucha por sobrevivir en una ciudad en la que cada cual lo intenta como puede. Viuda “oficiosa” de un individuo que parece haber caído en la batalla, se enamora y es correspondida por el director de la empresa, un joven proveniente de una aristocrática familia. Pero tras quedarse embaraza, no sólo es rechazada por quien le había prometido matrimonio sino también despedida de su trabajo.
Un simple accidente
Un simple accidente, del iraní Jafir Panahi. Cine de calidad realizado con muy bajo presupuesto y todas las trabas para sacar adelante el rodaje. Pero cine de calidad. Magnífica la historia. Magnifica la puesta en escena. Soberbio el resultado de una conmovedora película que destila ira y también humor al contarnos un dramático relato que mereció, con toda justicia, la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Un simple accidente arranca con el accidente fortuito que sufre un individuo que conduce un coche en el que también viajan su mujer y su pequeña hija. Lo que empieza como un simple accidente desencadena una serie de situaciones sin retorno como consecuencia de que el accidentado cree reconocer a uno de los guardias que le torturaron cuando estuvo en prisión.
Una quinta portuguesa
Tras su esperanzadora ópera prima Vasil, Avelina Prat regresa a la dirección con Una quinta portuguesa, una historia de la que también es guionista que confirma su personal sello autoral.
Protagonizada por el ganador del Goya Manolo Solo, la actriz portuguesa Maria de Medeiros y la serbia Branka Katić, el largometraje narra las andanzas de un hombre que decide huir de su vida anterior y construir una nueva en otro país, bajo otra identidad.
La desaparición de su mujer deja a Fernando, un tranquilo profesor de geografía, completamente devastado. Sin rumbo, suplanta la identidad de otro hombre como jardinero de una quinta portuguesa, donde establece una inesperada amistad con la dueña, adentrándose en una nueva vida que no le pertenece.
Sirat
Seleccionada por España como candidata al Oscar a Mejor película internacional, Sirat, dirigida por Oliver Laxe nos embarca en la tórrida aventura de un hombre (Sergi López) y su hijo (Bruno Núñez) que emprenden viaje a Marruecos.
Buscan a Mar, su hija y hermana, desaparecida hace meses en una de esas fiestas sin amanecer. Reparten su foto allí por donde pasan. En un ambiente de música electrónica y un tipo de libertad que desconocen entablan relación con un grupo de jóvenes trashumantes. Deciden seguirlos a una última fiesta que se celebrará en el desierto, donde esperan encontrar a la joven desaparecida.
Modigliani, tres días en Montparnasse
En aquel ambiente de vanguardia y bohemia fueron muchos más los días con escaso o ningún control que Amedeo Modigliani vivió en París. Pero Modigliani, tres días en Montparnasse, la película en la que veintisiete años después de su debut en la dirección Johnny Depp vuelve a colocarse detrás de la cámara, se centra en setenta y dos horas, aquellas especialmente turbulentas en las que el artista reconsidera su decisión de largarse de la ciudad y abandonar su carrera como pintor y escultor.
París, 1916. La Primera Guerra Mundial ha devastado la ciudad. En ese torvo ambiente el pintor Amedeo Modigliani (Livorno, Toscana, 1884 – París, 1920) hombre bohemio, sensible y excéntrico, malvive intentando vender unas personalísimas, vanguardistas, obras a las que nadie parece prestarles atención.
Los domingos
Premiada con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián Los domingos, dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, narra la historia de una joven de diecisiete años, buena estudiante y huérfana de madre, que anuncia a su familia que quiere convertirse en monja de clausura, lo que provoca un terremoto familiar.
Su padre se mantiene ajeno a la decisión en tanto su tía considera que la Iglesia está manipulando a la muchacha. Inquietante propuesta sobriamente protagonizada por Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Miguel Garcés y Nagore Aranburu que transmiten con veracidad la prueba de fuego que están viviendo.
Tardes de soledad
¿Torero y toro comparten soledad? ¿Cómo la siente cada cual? Tardes de soledad, el arriesgado documental de Albert Serra deja en la pantalla impactantes imágenes no vistas hasta ahora y un buen número de preguntas que hurgan y se hunden en el tuétano de los defensores y los detractores del universo taurino.
Ambos encontrarán razones para sus posturas. Ambos, -quienes ven arte y quienes matanza-, están abocados a plantearse como siente su soledad el torero ante el toro y como la sentirá éste en medio de un bullicio que presagia su muerte.
Esa cosa con alas
Sobre el duelo y la ausencia. Hipnótico y perturbador Esa cosa con alas, primer largometraje de ficción del británico Dylan Southern soberbiamente protagonizado por Benedict Cumberbatch, se adentra en los vaivenes de la pérdida para dejar al espectador ante una conmovedora adaptación a la pantalla de la ya mítica novela El duelo es esa cosa con alas, de Max Porter.
La vida de un padre de familia da un giro radical tras la muerte de su mujer. Tras esa inesperada ausencia pierde el control de la realidad cuando empieza a sentir la presencia de un gran cuervo que le acecha desde los oscuros recovecos del apartamento que comparte con sus dos hijos pequeños. Enfrentándose a esa perturbadora compañía, él y los chavales intentarán superar el duelo para recuperar la paz y la convivencia y poder afrontar el futuro con esperanza.
La voz de Hind
La voz de Hind escarba en las conciencias; las remueve. Es imposible sustraerse a lo que en la pantalla deja la película de la tunecina Kaouther Ben Hania que, valiéndose de las grabaciones reales que aquel día se produjeron, narra la dramática historia de una niña palestina de seis años que en un gasolinera de Gaza rodeada por los disparos de los soldados israelitas, con voz angustiada reclama ayuda.
29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Es la única que sobrevive del resto de familiares que viajaban con ella.
Ante lo desesperado de la situación, las personas que han recibido su llamada intentan mantenerla en línea mientras hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab. La película también recoge los testimonios, declaraciones y experiencia vivida por su madre y las personas reales que estaban al otro lado de esa impactante llamada.
El extranjero
A través de El extranjero, François Ozon, consolidado como uno de los referentes de la actual cinematografía francesa, sale airoso del arriesgado reto de adaptar a la pantalla la introspectiva y formidable novela publicada en 1942 por Albert Camus.
En un blanco y negro que resalta la luminosidad del texto queda retratada la atípica historia del joven protagonista, un extranjero en un país lejano al suyo, pero también un individuo extranjero de todo y de todos, incluso de sí mismo.
La película, desde el estilo provocador e intimista que caracteriza la obra de Ozon, supone una reinterpretación contemporánea con tintes de cine clásico de la mítica novela en la que a mediados del siglo pasado Camus construyó un alegato literario muy poderoso contra la violencia y la pena de muerte.
- Buen año de cine. Las veinticinco que señalamos bien merecen no caer en el olvido.
