La muestra reúne más de veinte pinturas nuevas, realizadas en blanco, negro y diferentes gradaciones de gris, junto con dos vídeos. Su título procede del euskera y significa punto de partida. La elección resume el sentido de una investigación que se ocupa de la construcción mental y visual de las imágenes, de los recuerdos que contienen y de las relaciones que pueden establecerse entre ellas.

Alain Urrutia. Cortesía del artista.

Para Urrutia, que vive y trabaja en Berlín, esta exposición supone una experiencia distinta de sus proyectos anteriores. Su propósito ha sido hacer visible una parte de su proceso creativo que habitualmente permanece en el estudio y no llega a las salas de exposiciones. El archivo, con sus innumerables referencias procedentes de la historia del arte, el cine, la fotografía y la vida cotidiana, deja de funcionar exclusivamente como herramienta de investigación para adquirir entidad artística propia.

La directora de la Collezione Maramotti, Sara Piccinini, explicó durante la presentación que conocieron el trabajo de Urrutia casi dos años antes de inaugurar esta muestra. Poco después le invitaron a visitar la colección y a conversar sobre sus intereses. En aquel primer encuentro, el pintor les mostró en su teléfono un archivo de imágenes que, a primera vista, parecía caótico. Sin embargo, era capaz de desplazarse por él con extraordinaria facilidad y encontrar conexiones entre imágenes muy diferentes. Aquella demostración terminó por encauzar el proyecto. Lo que comenzó como una conversación sobre el proceso creativo desembocó en un año y medio de trabajo compartido, con referencias a la historia del arte, la filosofía, la psicología, la literatura y la experiencia cotidiana.

La exposición ocupa tres espacios diferenciados de la planta baja de la Collezione Maramotti. El recorrido comienza con nueve pinturas de pequeño formato que condensan la investigación de Urrutia. Cada una aborda en una imagen un asunto esencial de la experiencia humana. El conjunto plantea un itinerario circular que conecta el origen con la revelación y atraviesa cuestiones relacionadas con la naturaleza, la comunidad, el mito, el lenguaje, el poder y la muerte.

Nuevas formas de memoria

«Persigo la idea de revelar solo lo suficiente para mostrar que hay cosas destinadas a permanecer ocultas».

(Alain Urrutia)

Alain Urrutia se graduó en 2004 en la Universidad del País Vasco y la Academia de Bellas Artes de Brera, en Milán. Ha expuesto en instituciones como el Boston Center for the Arts, el CA2M de Madrid, Artium Museoa de Vitoria y el Museo Guggenheim Bilbao.

En su obra investiga el comportamiento de las imágenes a partir de un atlas en constante evolución, construido mediante la recopilación y reorganización de materiales de distintas épocas y contextos. Lejos de reproducirlos, los utiliza para establecer asociaciones inesperadas. El montaje y la yuxtaposición permiten descubrir significados y conexiones que hasta entonces permanecían ocultos.

Su proceso creativo es intuitivo y acumulativo. Cada pintura constituye una configuración provisional dentro de un sistema abierto. Como ocurre con los recuerdos, basta un fragmento para reconocer una imagen sin necesidad de reconstruirla por completo. Lo que perdura puede ser una parte, una asociación o una sensación. Su trabajo desplaza así la atención de lo que las imágenes representan hacia lo que evocan, ocultan y son capaces de suscitar.

La aparente sencillez de estas composiciones contrasta con la complejidad de su elaboración. La creación de la vida, la persistencia de los relatos mitológicos o la representación del final de la existencia encuentran formulaciones pictóricas que admiten diferentes lecturas.

Las salas contiguas permiten recorrer el camino inverso. En ellas aparecen los materiales y las asociaciones que condujeron a esas nueve imágenes finales. Cada pintura procede de un panel visual, una suerte de collage organizado alrededor de un tema y compuesto mediante la selección, agrupación y transformación de imágenes extraídas del archivo personal del artista.

Este procedimiento guarda relación conceptual con el Atlas Mnemosyne de Aby Warburg, el historiador del arte alemán que dedicó parte de su investigación a rastrear la supervivencia de determinados motivos, gestos y fórmulas expresivas a lo largo de la historia. Su proyecto, inconcluso cuando murió en 1929, buscaba identificar las continuidades y transformaciones de las imágenes en diferentes épocas y culturas.

Urrutia desarrolla su propio sistema de asociaciones. Flores, rostros, ojos, plumas, serpientes, nubes, piezas de ajedrez y naipes conviven con referencias a Courbet, Botticelli, Bernini o Duchamp. Las imágenes se yuxtaponen, se superponen, se ocultan parcialmente o se desplazan de su contexto original. De esa acumulación surgen nuevas relaciones, mientras otras quedan interrumpidas o apenas insinuadas.

Lo que no se ve

La ocultación constituye uno de los recursos fundamentales de esta investigación. En las pinturas de mayor formato, Urrutia dispone largas sucesiones horizontales de imágenes que se amontonan y superponen. Con frecuencia, el espectador apenas puede contemplar sus bordes, porque la parte principal permanece escondida.

Un margen, una esquina o una pequeña superficie visible pueden bastar para sugerir una composición más amplia. El espectador debe imaginar lo que falta y establecer sus propias relaciones entre los fragmentos.

Alain Urrutia. ABIAPUNTUA. Vistas de la exposición en la Collezione Maramotti, Reggio Emilia. © Alain Urrutia. Cortesía de la Collezione Maramotti. Fotografía: Dario Lasagni.

En otras tres obras, el artista introduce desgarros simulados mediante recursos estrictamente pictóricos. Estas intervenciones acentúan la ausencia y profundizan en la relación entre lo visible y lo invisible. La pintura se convierte así en un territorio donde lo que permanece fuera de la representación adquiere tanta importancia como aquello que efectivamente se muestra.

La escala desempeña también un papel decisivo. El artista considera que el tamaño condiciona nuestra relación física y perceptiva con las imágenes.

Los dos vídeos realizados para la exposición amplían esta investigación. Uno reúne numerosas imágenes presentes a lo largo del recorrido, mientras que el otro permite comprender cómo se navega por el atlas personal del artista y cómo pueden localizarse los materiales utilizados en las pinturas. Ambos muestran un archivo en permanente transformación, cuya organización responde a conexiones que pueden modificarse con el tiempo.

Urrutia insiste en que cada visitante debe encontrar su propio camino a través de la muestra. Explicar exhaustivamente las obras supondría, a su juicio, limitar sus posibilidades de interpretación.

La exposición se acompaña de una publicación con ensayos de la historiadora del arte y comisaria Ada Naval y de Giorgio Vallortigara, profesor de neurociencia del Centro Interdepartamental de Ciencias de la Mente y el Cerebro de la Universidad de Trento.

Moda y arte

La historia de la Collezione Maramotti está estrechamente vinculada a la de Max Mara, la firma de moda fundada en 1951 por Achille Maramotti (1927–2005). Su sede ocupa precisamente la primera fábrica de la compañía, ubicada en Reggio Emilia, una agradable ciudad de algo más de 170.000 habitantes. Un edificio industrial convertido en museo que conserva buena parte de su avanzada arquitectura original.

Proyectado en 1957 por Antonio Pastorini y Eugenio Salvarani, el inmueble fue ampliado en dos ocasiones durante los años sesenta. Su diseño aprovechaba la ventilación y la iluminación naturales y situaba las instalaciones auxiliares fuera de la estructura principal para favorecer la flexibilidad de los espacios.

Cuando Max Mara trasladó su sede en 2003, se decidió transformar la antigua fábrica para albergar la colección de arte contemporáneo que su fundador había comenzado a reunir en los años setenta. La rehabilitación, realizada entre 2003 y 2007 por el arquitecto británico Andrew Hapgood, respetó el carácter industrial del conjunto. De hecho, todavía pueden observarse las marcas dejadas por la maquinaria textil sobre el pavimento.

La colección reúne varios centenares de obras realizadas desde 1945 hasta la actualidad. Más de doscientas se exhiben permanentemente en 43 salas distribuidas entre las dos plantas superiores. Predomina la pintura, aunque también están representadas la escultura y la instalación. Su recorrido abarca movimientos fundamentales del arte italiano e internacional, desde el informalismo y el arte povera hasta la transvanguardia, el neoexpresionismo y la nueva geometría estadounidense.

La institución presta especial atención a artistas que se encuentran en momentos decisivos de sus trayectorias. Sus exposiciones temporales, instaladas en la planta baja, favorecen la producción de proyectos inéditos y pueden dar lugar a nuevas adquisiciones.

Esta actividad se complementa con una biblioteca, un archivo y proyectos realizados fuera de su sede, como las intervenciones permanentes de Jason Dodge en Reggio Emilia y Eva Jospin en Milán. Desde 2019, diez salas de la colección permanente recuperan además proyectos presentados durante su primera década de actividad. Una iniciativa que refleja una concepción del coleccionismo como tarea en continua evolución.