A ese tiempo lo llamamos hoy la Edad de Plata. Un periodo de esplendor que no fue lineal ni complaciente, sino intensamente contradictorio: luminoso en lo artístico, trágico en su desenlace. Una edad hecha de búsquedas, de exilios interiores y reales, de sueños estéticos levantados justo antes del derrumbe.

«La Edad de Plata». Fotografía: Elena del Real | Teatro de la Zarzuela.

Esa tensión —entre la plenitud creadora y la catástrofe histórica— es el corazón de La Edad de Plata, que llega al Teatro de la Zarzuela como algo más que una propuesta lírica: como una reflexión escénica sobre el papel de la cultura cuando la realidad se vuelve inhabitable.

La dramaturgia imagina una escena imposible y, por ello mismo, profundamente verdadera: una soirée en el París de los años veinte, en la casa del pintor Ignacio Zuloaga. Allí confluyen artistas españoles y europeos, figuras de la vanguardia y de la tradición, mecenas y creadores. No se trata de una reconstrucción histórica, sino de una ucronía consciente, una ficción que permite hacer dialogar lo que el tiempo separó.

En ese salón imaginado se presentan dos obras que condensan dos maneras de soñar España: Goyescas, de Enrique Granados, y El retablo de Maese Pedro, de Manuel de Falla. No es un emparejamiento arbitrario. Ambas partituras nacen del mismo impulso —la búsqueda de una identidad cultural esencial—, pero lo hacen desde lenguajes y sensibilidades opuestas. Juntas, construyen un díptico que revela tanto los contrastes como las afinidades de una generación marcada por la belleza… y por la pérdida.

Un mismo anhelo

La España de Granados es sensual, pictórica, atravesada por la elegancia melancólica de Goya. Goyescas no aspira a describir una realidad concreta, sino a estilizar un imaginario: majas y majos, pasiones exacerbadas, celos, honor y muerte. Todo sucede en un espacio casi irreal, como si el pasado se contemplara a través de un velo de nostalgia.

Falla, en cambio, se adentra en la España conceptual de Cervantes. En El retablo de Maese Pedro, el foco no está en la emoción desbordada, sino en la tensión entre ficción y verdad. Don Quijote irrumpe para defender un ideal que sabe condenado, pero irrenunciable. El teatro de títeres se convierte así en una metáfora del propio arte: frágil, ilusorio, imprescindible.

Escuchar ambas obras de forma consecutiva no solo subraya sus diferencias estilísticas; permite comprender cómo, desde caminos distintos, ambas dialogan con una misma pregunta: ¿qué queda cuando la realidad traiciona los sueños?

La propuesta escénica sitúa estas músicas bajo la sombra de 1939. Europa arde. España acaba de salir de su guerra. El entusiasmo de los años veinte se contempla ahora desde el derrumbe. Granados ya no está: murió ahogado víctima de la Gran Guerra tras el estreno de Goyescas en Nueva York. Falla se prepara para partir al exilio argentino, dejando atrás su país y a muchos de los suyos.

La cultura aparece entonces no como refugio cómodo, sino como espacio de memoria y conciencia. La ficción no anula la realidad; convive con ella, la interroga, la ilumina. El espectáculo no huye del dolor histórico, pero tampoco se recrea en él: lo atraviesa desde la belleza, desde la lucidez, desde la convicción de que el arte sigue teniendo algo que decir cuando todo parece perdido.

Teatro de la memoria

La puesta en escena articula múltiples capas: ópera, danza, palabra, imagen audiovisual. Hay referencias al cine mudo, a la pintura, a la danza española como lenguaje simbólico. Los bailarines no son solo cuerpos en movimiento: encarnan recuerdos, miedos, ideales. Son presencias que emergen del subconsciente de los creadores, espectros de una época que se resiste a desaparecer.

El resultado es un teatro de la memoria, donde lo íntimo y lo histórico se entrelazan sin jerarquías. Un espacio en el que la cultura no se presenta como monumento, sino como proceso vivo, vulnerable, profundamente humano.

En tiempos de incertidumbre, cuando la tentación de simplificar el pasado es fuerte, La Edad de Plata propone lo contrario: mirar la historia desde su complejidad, reconocer en ella tanto la grandeza como la fractura. No para idealizarla, sino para comprenderla.

Porque si algo nos enseñan Granados, Falla y quienes compartieron su tiempo es que la cultura no salva por escapar de la realidad, sino por enfrentarse a ella con imaginación, rigor y sensibilidad. Quizá por eso este espectáculo no habla solo del pasado. Habla, inevitablemente, del presente.

Y recuerda —sin consignas, sin grandilocuencia— que cuando todo se tambalea, pensar, crear y soñar sigue siendo un acto profundamente político.