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‘Campeones’, ‘Handia’ y ‘Todos lo saben’, preseleccionadas para los Oscar

Convertida en el mejor estreno de cine español del año, Campeones, de Javier Fesser, ha conquistado a más de tres millones de espectadores y ha recaudado más de 17 millones de euros. Los premios de la Academia estadounidense no le son ajenos a Fesser, que estuvo nominado al Oscar al Mejor Cortometraje de Ficción en 2007 por Binta y la gran idea.

Ganadora de 10 Premios Goya, Handia, de Jon Garaño y Aitor Arregi, es la cinta en  vascuence más vista de la historia. No es la primera vez que los académicos señalan una producción de  la factoría Moriarti para viajar a Los Ángeles. En 2015 Loreak –dirigida por Garaño y Jose Mari Goenaga– fue seleccionada para representar a nuestro país en la competición por la Mejor Película de Habla no Inglesa.

La película española del director iraní Asghar Farhadi, Todos lo saben, inauguró el Festival de Cannes y se estrenará el próximo 14 de septiembre. Farhadi ya cuenta con dos Oscars a Mejor Película de Habla no inglesa por El viajante y Nader y Simin, una separación.

Tras conocer la noticia, Javier Fesser se acercó a la Academia para compartir su alegría y agradecer el apoyo de sus compañeros de profesión. Sobre los puntos fuertes de su película para gustar en Los Ángeles considera que “las personas y los personajes de Campeones representan cosas que nos pasan a nosotros. La película tiene algo que la hace absolutamente española. Y cuanto más local es una película más interés despierta en Hollywood, pero a la vez creo que lo que cuenta es universal”.

Olga Picasso, Nauman y Calder, el Museo Picasso Málaga en 2019

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OLGA PICASSO. 26 de febrero – 2 de junio de 2019

Esta exposición abordará la relación de Picasso con su primera esposa, Olga Khokhlova, poniendo en perspectiva la realización de algunas de las grandes obras del genio y reconstruyendo la producción del artista en el marco de una historia personal que transcurre paralela a otra historia política y social. Modelo por excelencia del denominado periodo clásico de Picasso, la figura reproducida de Olga se irá metamorfoseando -durante la convulsa Europa de entreguerras- conforme se va deteriorando el vínculo entre ellos.

Esta exposición está organizada por el Musée national Picasso-Paris y Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, Madrid, en colaboración con el Museo Estatal de Artes Plásticas A.S. Pushkin de Moscú, el Museo Picasso Málaga y CaixaForum Madrid.

BRUCE NAUMAN. RETROSPECTIVA. Verano de 2019

Bruce Nauman (1941) es un artista multimedia estadounidense que trabaja activamente desde el pasado siglo y cuyas innovadoras aportaciones giran en torno a su forma de entender el arte más como una actividad o un proceso que como una producción de objetos. El cuerpo humano es con frecuencia su espacio de reflexión y sus obras sellan las relaciones que se establecen entre los objetos, el espacio que los rodea y quien los observa.

Las referencias a la música, la danza, la literatura y la filosofía están presentes en sus obras que generan en el espectador reacciones asociadas a la provocación, el conflicto, la tensión, desorientación o angustia. Su ironía es patente en los juegos de palabras y en las relaciones que se establecen entre público, espacio y obra de arte.

Esta exposición dará cuenta de la variedad de técnicas que trabaja: vídeos, esculturas, instalaciones, neones, estructuras arquitectónicas, fotografías y dibujos, entre otros.

CALDER-PICASSO. 24 septiembre de 2019 – 2 de febrero de 2020

Ésta será la primera muestra dedicada en España a explorar los vínculos creativos entre estos dos maestros modernos del siglo XX: Alexander Calder (1898–1976) y Pablo Picasso (1881-1973).

Ambos, de modo divergente, se interesaron en analizar la paradoja de la representación del vacío -esa ausencia de materia o de imagen- y en consecuencia de canalizar mecanismos emocionales de carencia o de relación entre sujeto y objeto artístico.

La muestra está organizada en colaboración con el Musée National Picasso Paris, Calder Foundation, New York y Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte, Madrid.

Grande Catherine Deneuve

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Ha pasado mucho tiempo desde que en 1964 Jacques Demy le diera en Los paraguas de Cherburgo el papel que colocaba a Catherine Dorleac, que cambiaría su apellido artístico por Deneuve en honor a su madre, en el panorama cinematográfico universal. Sólo un año después, Polanski la guiaba en Repulsión. La cámara supo entonces que era una actriz de registros diversos, tan sólida como la romántica heroína de Los paraguas… como en el complejo papel de joven atrapada por el sexo de Repulsión.

La dirigirían después, entre un puñado de cineastas de altura, Buñuel (Belle de Jour, Tristana), Truffaut (El último metro), Tony Scott (El ansia) o Lars Von Trier (Bailando en la oscuridad) para confirmar la dimensión de una actriz extremadamente versátil. Una mujer que confiesa estudiar al milímetro cada papel para fundirse, -“necesito sentirme en la piel de cada una de las mujeres a las que interpreto”- con los personajes a los que da vida.

Ahora Deneuve es Beatrice, mujer caprichosa, egoísta e impulsiva que irrumpe en la vida de  Claire que, en las antípodas de la anterior personalidad, es sensata, solitaria y tranquila, y trabaja como comadrona demostrando cada día un talento natural para traer a niños al mundo y ayudar a los demás.

La vida de Claire (Catherine Frot) se verá trastornada por el regreso de quien fuera amante de su difunto padre. Pero Béatrice insiste y quiere verla con urgencia tras veinte años de mutua indiferencia, en un encuentro que conducirá a la revelación de secretos que darán sentido a una parte importante de las vidas de ambas.

Dos mujeres
Dirección: Martin Provost
Intérpretes: Catherine Deneuve, Catherine Frot, Olivier Gourmet, Quentin Dolmaire y Mulène Demongeot
Fotografía: Yves Cape
Música: Grégoire Hetzel
Francia / 2017 / 117 minutos

 

 

 

Barcelona: cinco exposiciones que no se debería perder

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1.Faraones, reyes de Egipto [1]

2. Kader Attia: las cicatrices nos recuerdan que nuestro pasado es real [2]

3. Gala, una habitación propia en Púbol [3]

4. El lirismo de Saul Leiter [4]

5. Melanie Smith, entre el absurdo y el artificio de la razón [5]

“La imperfección humaniza”

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Cuenta con varios premios y reconocimientos, como el conseguido con Fuerza por la Paz, obra con la que acaba de obtener una mención en los Premios Ejército 2018. Muy influenciada por el medio, lo cotidiano se refleja en su obra, sea como crítica o bien desde la observación más pura. “La creación no sólo es disfrute, también comporta sufrimiento”, afirma quien sostiene que “la imperfección forma parte del arte y lo humaniza”.

¿Cómo y cuándo fragua su vocación artística?

Aprendí a pintar desde muy niña con mi madre, que es profesora de pintura. Allí nació una vocación que me llevó a la Facultad de Bellas Artes de São Paulo en donde comprendí que mi camino estaba en el arte contemporáneo y la experimentación con materiales diversos. Aunque mi obra está fundamentalmente relacionada con la pintura también he trabajado la escultura. Pese a las dificultades que sufre todo artista que se precie, no puedo quejarme. A través de premios y concursos fui recavando atención y he podido exponer a menudo en Brasil y en España.

¿Cómo se define como artista?

Mi trabajo va de lo figurativo a lo abstracto. Voy de una forma de expresión plástica a otra en función del momento y de lo que me apetece ante cada nuevo reto. También trabajo por encargo, por lo que tengo en cuenta la orientación de los decoradores y de los arquitectos. Pero fundamentalmente me muevo movida por el sentimiento. Acaso tiendo más hacia lo figurativo, que luego resuelvo con trazos y manchas.

¿Y el color?

En mi trabajo tiendo al monocolor, al color único. No suelo mezclar muchos colores en una misma obra aunque es evidente que también tengo obras coloristas.

¿Qué temas son recurrentes en su obra?

Me interesa reflejar las sensaciones humanas. Para ello me sirvo del retrato o de escenas que protagoniza la figura humana. Intento captar su actitud. Tengo también obra urbana y ahora me interesa mucho el movimiento y la expresión.

Cuando llegué de Brasil venía de hacer una serie muy amplia sobre animales de la Amazonia y al llegar pensé que seguiría en esa línea, pero reflejando la fauna española, pero aquí la luz es distinta, el clima es diferente y aparqué aquella idea para centrarme en el trabajo con la materia. Por ejemplo, he hecho obras con cartones de leche pintando sobre su lado plateado. Actualmente me interesa trabajar con los colores de la materia.

Trabajar en dos mundos tan distintos como Brasil y España me hace ir de unas ideas a otras, de una forma de expresarme a otra y eso creo que es enriquecedor tanto para mí, como artista, como para el conjunto de mi obra. Suelo realizar la obra y después teorizar sobre ella. En este sentido hay una palabra que me interesa y es fragmentación.

¿Podría explicar ese concepto en su arte?

Hablo de la fragmentación de la figura. El movimiento me interesa por su plasticidad y para mí cobra especial interés reflejar la figura fragmentada. Últimamente utilizo pintura al óleo mezclada con cera de abeja. La plasticidad de ese material me permite trabajar la figura y la fragmentación de un modo muy particular.

¿Cuál es su objetivo frente al espectador que visita sus obras?

Espero y aspiro a que sienta algo. Me gustaría que ese sentimiento coincidiese con el mío cuando la realizo. Que transmita algo, aunque soy consciente de que cada cual tiene su momento, su estado de ánimo… y eso le hace ver la obra de una forma diferente.

¿En qué está trabajando en este momento?

Estoy intentado dividir todavía más la figura. Llevar la fragmentación al límite a través de la pintura. Recortar la figura a través de simples trazos y pinceladas.

¿Qué artistas le han influido?

Cuando estaba en la universidad me impresionaba muy especialmente la obra de Dalí. Mi primera serie de entonces estaba claramente inspirada en él. En la actualidad me sigue impresionando Monet. Esa forma de jugar con el impresionismo y otro modo de abstracción. Otros artistas que admiro son Antonio López y Sorolla, con los que siento que estoy en sintonía en lo que intento hacer con la figura.

Finalmente, ¿con qué siente Cristina Pollesel compensado su esfuerzo como artista?

El proceso que me ha llevado a la fragmentación me supuso un gran sufrimiento. Pero ahora sé cómo afrontar esos períodos y estar en paz. Ya no sufro al no conseguir desarrollar o reflejar lo que artísticamente me propongo.

Me siento reconfortada cuando veo que alguien percibe aquello que yo me he propuesto plasmar. Hoy sé que la imperfección forma parte del arte y siento que lo que hago tiene un punto de calidad que me satisface. Simplemente eso.

– ¿Quiere saber más sobre Cristina Pollesel? [6]

Madrid en agosto: 10 exposiciones

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El genio de Brassaï [7]

[7]Brassaï, la gran exposición que acoge Fundación MAPFRE en Madrid hasta el 2 de septiembre, propone un exhaustivo recorrido por la trayectoria de este…

 

 

 

La raíz de Boudin y Monet [8]

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Monet / Boudin, la primera ocasión de descubrir a través de una exposición monográfica la relación entre el gran…

 

 

 

Tomatsu o la voluntad de compromiso [9]

Shomei Tomatsu. Yokosuka, Kanagawa, 1966. Colección del legado de Shomei Tomatsu –INTERFACE, Okinawa. © Shomei Tomatsu –INTERFACE / Cortesía de Taka Ishii Gallery Photography / Film.La obra del gran fotógrafo Shomei Tomatsu (Nagoya, Aichi, 1930–Naha, Okinawa, 2012) recorre más de seis décadas de la historia nipona. Creador de la…

 

 

 

 

El primer retratista moderno [10]

Retrato triple de orfebre (Bartolomeo Carpan?). Lorenzo Lotto. h 1525 - 1535. Viena, Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie.Lorenzo Lotto (Venecia, 1480 – Loreto, 1557) es uno de los artistas más fascinantes del Cinquecento italiano y su aprecio no ha dejado de…

 

 

 

 

La inteligencia visual de Beaton [11]

Cecil Beaton (1904-1980) fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX. Durante seis décadas firmó imágenes icónicas de algunas de las figuras…

 

 

 

Vasarely o el nacimiento del Op Art [12]

El húngaro Victor Vasarely (Pécs, 1906 – París, 1997) fue uno de los principales representantes del Op Art. Sus experimentos con estructuras espacialmente ambiguas…

 

 

 

Fotografía y transformismo [13]

Paco España ante el espejo (1977). Foto de César Lucas.La Fragua de Tabacalera presenta En plan travesti , una exposición gratuita que toma como punto de partida la representación de identidades de…

 

 

 

La buena gente de Xaudaró [14]

Joaquín Xaudaró (Vigan, Filipinas, 1872- Madrid, 1933) fue uno de los dibujantes clave de la décadas de los años 20 y 30 de la…

 

 

 

Paret más allá de la figura de Goya [15]

Vesta o Artemisa, Luis Paret y Alcázar, 1766-1770. Lápiz, pluma y aguadas negra, gris y parda sobre papel verjurado agarbanzado. BNE [DIB/13/4/26].Luis Paret y Alcázar (1746-1799) es una de las figuras más interesantes del arte español del siglo XVIII. Un artista con una gran formación…

 

 

 

La iconografía del libro en el arte [16]

Montserrat Soto. Foto: Guillermo Gumiel.La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid presenta la exposición Imprimatur, en la que Montserrat Soto (Barcelona, 1961) invita a reflexionar sobre…

 

 

 

10 libros que garantizan la carcajada

Publicado por carlos en En Literatura | Sin comentarios

Hay grandes clásicos del humor que te dibujan una sonrisa pero no acaban de despertarte la carcajada, y otros libros menos celebrados a los que rendir tributo eterno precisamente por lograrlo aunque sea solo una o dos veces. La misma situación que a unos les mata de risa a otros les deja indiferentes o directamente les irrita. Aquí una selección para partirse la caja cuyo único aval es habérsela partido alguna vez al arriba firmante.

Abierto toda la noche (Anagrama, 1995)

El debut literario de David Trueba fue esta divertida novela que no se esforzaba por ocultar cierta inspiración autobiográfica. Con dedicatoria a sus padres –“A Palmira y Máximo, mis autores favoritos”– y fotografías en portada de sus hermanos, Trueba ideó el hogar, el único garito de la ciudad abierto toda la noche, de una familia numerosa propensa a vivir las situaciones más disparatadas. El autor volvería a hacernos reír cuatro años después con las vacaciones de Cuatro amigos (Anagrama, 1999).

Salón de pasos perdidos (Editorial Pretextos)

Van ya publicados 21 volúmenes de esta novela en marcha que son los diarios de Andrés Trapiello. El argumento se repite en todos ellos con pocas variaciones: la historia de un tipo que pasea de forma incansable tres o cuatro rincones de Madrid, que se escapa a su casa de campo extremeña, que nos cuenta sus charlas y lecturas, que ajusta cuentas y clava retratos (tiernos, malvados, familiares…), que escucha y comparte las historias más variopintas… ¿Un momento? ¿Pero aquí hay motivos para reírte a carcajadas? Ni uno ni dos ni tres. Son muchos y algunos de ellos son antológicos. Uno podría ser el de aquella anciana empeñada en meterle en el bolsillo del pantalón los honorarios por una conferencia mientras dicta dicha conferencia. Puede que Trapiello se adorne con maneras de melancólico impenitente pero en el fondo es un grandísimo humorista.

Memorias de un amante sarnoso (Tusquets, 2018)

“Este libro fue escrito durante las prolongadas horas que pasé aguardando a que mi esposa acabara de vestirse para salir. En este sentido, si nunca se hubiera puesto nada encima, jamás se habría escrito este libro”. Así explica Groucho Marx en la primera página el origen de esta obra tan divertida como Groucho yo (Tusquets) o su maravillosa correspondencia (Las cartas de Groucho, Anagrama).

Perelmanía (Editorial Contra, 2018)

Tan gracioso como Groucho pero más preocupado por esculpir una prosa de indudable calidad fue Sidney Joseph Perelman [17] (1904-1979), que invertía mucha horas en dar con la palabra exacta. Fue también el modelo a seguir para un joven Woody Allen que trataba de colocar en revistas sus primeros relatos de humor. Desde el año pasado disponemos en español, por fin, de una selección de sus mejores historias publicadas en la revista New Yorker entre 1930 y 1976.

Cuentos sin plumas (Tusquets, 2009)

Tras las dos recomendaciones anteriores, la secuencia lógica es aterrizar en esta recopilación de los tres libros de relatos de Woody Allen. Aquí están las bromas iniciales sobre sus temas de siempre, la muerte, dios, la religión, el arte, los intelectuales. ¡Cómo son esas cartas de Van Gogh a su hermano Theo en Si los impresionistas hubieran sido dentistas! “Estos libros son las obras que más veces he leído en mi vida. Siguen siendo una fuente inagotable de carcajadas, que a veces despiertan a mi mujer violentamente en mitad de la noche”, Fernando Trueba.

El odio, fuente de vida y motor del mundo (Ediciones Martínez Roca, 2000)

Primero reflexiona sobre los peligros del campo de fútbol como espacio para el odio o sobre el nacionalismo como coartada para odiar a manos llenas, pero acto seguido Ramón de España ejerce también su propio derecho a odiar y hace entonces desfilar por este libro a una galería de personajes conocidos que por distintos motivos merecen su aversión más sincera aunque sea solo por un par de minutos al día. Aviso: abstenerse fans con poco sentido del humor de Abba, Pedro J. Ramírez, Bruce Springsteen, Robin Williams, Tom Hanks, Emilio Aragón o Ken Loach.

Chap chap (Blackie Books, 2015)

Similar espíritu festivo, gamberro y provocador que el anterior gasta Kiko Amat en su faceta de periodista cultural, escribiendo siempre en primerísima persona, con sus filias desatadas y sus fobias ofensivas, y abundantes referencias a su mujer y sus dos hijos, los tres pelirrojos, a los que unas veces califica de zanahorias y otras de sospechosos del IRA. La carcajada puede llegar leyendo el relato de su vasectomía, que le obliga a desplazarse por la ciudad “como un Lucky Luke con ladillas”; o cuando enumera las 10 cosas que no puede hacer desde que tiene hijos (“cagar en paz” es una de ellas; “sufrir atroces resacas” es otra); o cuando defiende el abuso del alcohol como filosofía de vida y ataca a “sus detractores y otras alimañas de secano”.

Los millones (Blackie Books, 2010)

Marzo de 1986. A uno del GRAPO le tocan doscientos millones de pesetas en la Lotería Primitiva. No puede cobrar el premio porque no tiene DNI. Así resumían en la contraportada la primera novela de Santiago Lorenzo, digno heredero del mejor Rafael Azcona y de Jardiel Poncela en este retrato de Francisco, un infeliz que se muere literalmente de hambre y que hace méritos con escaso éxito para ser terrorista.

El novio del mundo (Fundación José Manuel Lara, 2018)

Con esta loquísima ficción, Felipe Benítez Reyes no solo crea uno de los grandes personajes literarios de las últimas décadas; también uno de los más cachondos: Walter Arias [18]. Baste mencionar cómo recuerda el autor uno de los detonantes de la creación del personaje para hacerse una idea del sistema de ideas que gobierna la mente de Walter. “Me presentaron a un pájaro de la noche madrileña, actor a tiempo parcial, tarambana a tiempo completo y creo recordar que algo así como relaciones públicas de una discoteca por entonces de moda; bien, aquel joven se quejó de su alopecia creciente y me ofreció su diagnóstico científico: ‘Creo que estoy quedándome calvo de tanto comer coños. Estoy convencido de que los coños sueltan un líquido que quema el pelo’”.

¿Dónde vamos a bailar esta noche? (Círculo de tiza, 2017)

En esta miscelánea de textos autobiográficos donde abundan los recuerdos de amigos, cromos de fútbol y ciudades, Javier Aznar describe una cita en Madrid con una joven extranjera que nada tiene que envidiar en su aire de pesadilla a la gran comedia de Scorsese ¡Jo, qué noche! Una joyita –la chavala y la crónica– de un libro que tiene unas cuantas.

Auschwitz, símbolo universal de la barbarie

Publicado por luismartin en En Exposiciones | 1 Comment

La muestra -que desde diciembre de 2017 ha sido visitada por más de 350.000 personas- ha sido concebida y diseñada por un equipo de historiadores liderados por el Dr. Robert Jan van Pelt y el equipo multidisciplinar de historiadores, conservadores y documentalistas del Centro de Investigación del Museo Estatal de Auschwitz-Birkenau, dirigidos por el Dr. Piotr Setkiewicz.

Como indica su subtítulo, Auschwitz fue parte de la historia moderna y su memoria forma parte del mundo contemporáneo. Por eso, uno de los objetivos principales de este proyecto es mostrar al gran público cómo ese lugar llegó a existir y el modo en que su existencia afecta aún hoy a nuestra visión del mundo y de nosotros mismos. La exposición muestra durante esta itineraria mundial más de 600 objetos originales, en su mayoría pertenecientes a la colección del citado Museo Estatal.

José Barea © Vista del exterior de la exposición, cortesía de Musealia.

José Barea © Vista del exterior de la exposición, cortesía de Musealia.

Del mismo modo, instituciones de diferentes naciones como Yad Vashem – Centro Mundial de Conmemoración de la Shoah en Jerusalén (Israel), el United States Holocaust Memorial and Museum en Washington DC (Estados Unidos) o diferentes museos del Holocausto de Norteamérica y Europa, diversos supervivientes y coleccionistas privados participan en este proyecto, prestando objetos para su exposición.

Ilustrando el horror

Entre los objetos que conforman la muestra destaca un barracón original procedente de Auschwitz III – Monowitz, uno de los subcampos en que se dividía Auschwitz destinado principalmente al trabajo forzado. Asimismo merece también especial mención un vagón original (modelo 2) de la compañía nacional alemana de tren, la Deutsche Reichsbahn. Este tipo de vagón se utilizó durante la Segunda Guerra Mundial para el traslado de soldados, prisioneros de guerra y judíos deportados hasta los guetos y campos de exterminio.

Estos objetos son solo algunos de los que ilustran los principales aspectos de la historia de Auschwitz y representan a todos los grupos de víctimas en el campo: judíos deportados para su exterminio, polacos, gitanos, prisioneros de guerra soviéticos y otros tantos colectivos. Del mismo modo, algunos objetos muestran también el mundo de los verdugos, al recoger la realidad de los miembros de las SS, la fuerza ejecutiva ideológica del nazismo que creó y operó en el mayor de los campos alemanes.

Más de 1.100.000 personas fueron asesinadas en Auschwitz. Ocurrió en el corazón de Europa, en el seno de la sociedad más avanzada tecnológicamente de su época. No hace mucho. No muy lejos. Por lo que recordar y tener presente la mayor masacre perpetrada en el siglo XX es un imperativo para la educación de las nuevas generaciones.

Esta presentación supone el estreno internacional de la muestra, que después visitará otras seis ciudades de Europa y siete en Norteamérica. Madrid será su único destino en España.

Los reyes del negocio se reconcilian

Publicado por carlos en En La canción del fin de semana | Sin comentarios

Ahora, en el presente, ambos se perdonan, juntan voces, cierran la trilogía y hacen caja a lo grande con Everything is love, un trabajo de madurez, más feliz pero ligeramente inferior a los anteriores. Menos sorprendente en términos musicales pero igualmente disfrutable.

A The Carters les va de lujo –somos ricos, somos guapos y nos queremos más que nunca– y han decidido cantarlo a los cuatro vientos. No hay sitio para la falsa humildad en esta etapa: alquilan unas cuantas salas del Museo del Louvre para grabar el videoclip del primer single, Apeshit; y si aún quedaba algún despistado en el planeta sin saber de la Mona Lisa, ya habrá visto el cuadro unas cuantas veces.

Ambos lucen desafiantes entre pinturas imponentes mientras rapean de nuevo enamorados. El se la come con la mirada; ella se lo come con la voz y ambos tan contentos.

Todo lo que te ofrece el Reina Sofía en verano

Publicado por carlos en En Artes Visuales,Museos | Sin comentarios

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“Una línea muy fina separa salud y enfermedad mental”

Publicado por lopeziglesias en En Escritores | Sin comentarios

(La vida de Emilia Agostini, la piloto más joven de Chile, se derrumba cuando su padre muere en un accidente aéreo. El sueño que compartían era hacer el viaje mítico de Amelia Earhart, la piloto estadounidense cuyo avión desapareció misteriosamente en el mar en 1936. Tras la muerte de su padre, Emilia pierde la fe en sí misma e intenta suicidarse. Es así como llega a la Clínica de Las Flores, –”un lugar donde los chicos a quienes la vida ha puesto una prueba difícil pueden refugiarse”. Allí encontrará no sólo la esperanza que había perdido, sino también la amistad de Gogo, un chico gay, de Clara, una joven poeta, y de Domi, una ex modelo que ha pasado por las drogas. Juntos intentarán salir de la oscuridad de sus sentimientos. Pero, sobre todo, encontrará el amor de Gabriel, un joven tan intrigante como atractivo que un día desaparece sin dejar rastro.

“Hace exactamente veintidós días, nueve horas y ocho minutos que desapareciste. Pero yo sé que estás ahí, en algún lugar, peleando con los fantasmas que saquean tu cabeza. Y aun cuando no puedo verte, no dejaré de buscarte. No dejaré que te esfumes como esas nubes que mirábamos juntos deshacerse en el cielo”.)

Su novela, en el fondo, reflexiona sobre la enfermedad psiquiátrica en los jóvenes. ¿Qué mensaje transmite?

Más que una reflexión sobre la enfermedad mental, Llévame al cielo trata sobre el valor de la diferencia. Sus protagonistas son chicos que han tenido problemas y al encontrarse en la Clínica de las Flores potencian aquello que en el mundo de afuera era mirado con recelo. La depresión de Emilia, la genialidad descontrolada de Gabriel, la homosexualidad y adicciones de Gogo. Dentro de este lugar, paradójicamente, se sienten libres de ser quienes son, y es esa libertad, esa falta de juicio que sus compañeros tienen sobre ellos, los que les dará la fuerza para recuperar sus sueños. También me interesaba mostrar esa fina línea que separa lo que llamamos salud mental y enfermedad. Cualquiera, sin darse cuenta, puede encontrarse al otro lado. Uno de cada cinco jóvenes de hoy en el mundo, es decir un 20 por ciento, padece de algún tipo de disfuncionalidad psicólogica, siendo las más frecuentes la depresión, la bipolaridad y las adicciones.

¿Qué añadiría a lo dicho en la novela sobre el valor de la diferencia?

En el proceso de escritura de la novela tuve la oportunidad de conversar con chicos que estaban o habían tenido algún problema psicológico. Quería saber qué percepción tenían de ellos mismos, de su enfermedad, de su relación con el entorno. Además de las dificultades inherentes a sus problemas, hablaron de creatividad, dinamismo, flexibilidad, intuición y de su capacidad de asociar ideas de apariencia completamente disímiles. Como hace Gabriel, el enamorado de Emilia, la protagonista de la novela, cuando descubre que es tal vez en el continente perdido de Lemuria donde cayó el avión de la desaparecida aviadora estadounidense Amelia Earhart. Muchos dijeron también que esa constante conciencia de sí mismos y de sus problemas los hacía mucho más cómplices con los problemas de los demás. Me emocionó que en un mundo individualista, en el cual la empatía no tiene mayor valor, para ellos fuera algo fundamental. Y es eso lo que encuentran los cuatro amigos en Llévame al cielo. Chicos como ellos que se ayudarán mutuamente no sólo a palear sus males pero también a cumplir sus sueños.

Novela muy cinematográfica… ¿De forma premeditada?

Creo que de alguna forma todas mis novelas están construidas en torno a imágenes, a situaciones. La gran máxima que me guió en mis comienzos sigue siendo esencial: mostrar y no decir. Los personajes crecen y cambian en la medida que interactúan con los demás y con su mundo, y esta interacción tiene un componente visual importante. Y es así como el lector llega a conocerlos a través de sus diálogos, de sus reacciones, de sus sentimientos y pensamientos, no a través de un discurso cuidadosamente construido por el autor. Y en ese sentido sí, la novela marcha en escenas que son visuales y cinematográficas.

¿Cómo contempla la actual literatura sudamericana? ¿A quién deberíamos leer?

Hay una generación interesantísima de narradoras que han surgido con voces muy personales y fuertes, como Samantha Schweblin, Selva Almada, Paulina Flores o Valeria Luiselli. Cualquiera de ellas es absolutamente recomendable.

Llévame al cielo [27]
Carla Guelfenbein
Nube de tinta
256 p
15,95 euros

 

 

 

 

El Reina Sofía recibe 30 portadas de La Codorniz

Publicado por carlos en En Donaciones,Ilustración | Sin comentarios

El legado se compone de treinta portadas de La Codorniz (collages o dibujos) de los primeros años de la revista y de 15 aguafuertes de la serie Tauromaquia de la muerte realizados por el reconocido ilustrador, cineasta, dibujante y humorista que desarrolló un trabajo artístico interdisciplinar desde la década de los veinte en adelante.

La presencia de Herreros en esta publicación fue realmente significativa: autor de más de ochocientas portadas, miles de dibujos y cientos de collages, fue uno de los principales responsables del diseño artístico y estilo visual de la revista, caracterizada por el humor e ironía.

El conjunto de obras es de gran interés para la colección del Museo ya que se enmarca en la línea de investigación que se viene desarrollando sobre lo popular en el arte de vanguardia y el humorismo gráfico durante la posguerra en España.

La Codorniz fue la gran publicación de humor de la dictadura, y en el plano artístico, el trabajo de Herreros destaca en calidad vanguardista y audacia sobre el resto de colaboradores. La revista pudo sobrevivir en el franquismo gracias al distanciamiento con el inmediato contexto político pero su gran logro fue conseguir la continuidad con un humor absurdo y disparatado de clara raigambre vanguardista, una batalla contra la lógica y las convenciones sociales.

Humor absurdo

Un segundo conjunto de obras que pasará a formar parte de la Colección es el de los 15 aguafuertes, de naturaleza goyesca, de la serie denominada La Tauromaquia de la muerte, que fueron realizados por Herreros en el año 1946. En ellos se aprecia la calidad del autor como grabador y su dominio del aguafuerte y son de interés para la Colección del Museo ya que se relacionan con la iconografía clásica del arte español finisecular y con la obra gráfica de otros autores españoles primordiales para la misma, como Goya y Gutiérrez Solana.

Enrique Herreros destacó en los años veinte publicando dibujos en las revistas más relevantes del momento (Muchas gracias; Gutiérrez o Buen Humor) y elaborando carteles de cine para la productora Filmófono. Desde entonces formó parte del grupo creativo conocido, a posteriori, como “la otra generación del 27”, junto con Miguel Mihura, Tono, López Rubio, Neville o Poncela. Con ellos, durante la guerra civil, trabajó para la revista La Ametralladora, y a partir de 1941, y hasta su muerte, en La Codorniz.

A lo largo de su vida, también realizó pintura al óleo y aguafuertes. En su faceta cinematográfica hay que destacar que dirigió las películas María Fernanda La Jerezana (1946) y La muralla feliz (1947). Mihura, director de La Codorniz hasta 1944, y sus colegas –el núcleo duro lo formó con Tono y Herreros– tuvieron que negociar su lenguaje artístico, pues como subraya Hernández Cava “la posguerra no parecía dispuesta a aquellas alegrías modernas de antaño”.

Las sandalias de Hermes: El viajero universal (XXII)

Publicado por carlos en En Viajes | Sin comentarios

El Viaje a las islas occidentales de Escocia fue publicado por Johnson en primer lugar, pero el periplo por Escocia y las islas Hébridas también permitió escribir más tarde a Boswell Diario de un viaje a las Hébridas, en el que daba un nuevo enfoque al tratamiento de los diarios.

El innovador e irónico escritor irlandés Laurence Sterne da cuenta en su inacabado El viaje sentimental de un prolongado viaje por Francia e Italia, reivindicando la figura del compañero de viaje: “Dejénme tener un compañero de viaje, aunque solo sea para observar cómo se alargan las sombras y declina el sol”.

Un fenómeno curioso fue el resurgir de la novela histórica bajo la forma de relatos de viaje, sin duda favorecido por el redescubrimiento del esplendor de la Grecia clásica a partir de distintos hallazgos arqueológicos y las consecuencias viajeras, ficcionales o reales que ello tuvo en los escritores de la época. Tres ejemplos sucesivos dan una buena muestra de ellos: Las aventuras de Telémaco de François Salignac, en la que el hijo de Ulises continúa las aventuras de su padre, el Viaje a Grecia del Joven Anacarsis a mediados del siglo cuarto antes de la era vulgar, escrita por Jean Jacques Barthélemy, y Los viajes de Antenor por Grecia y Asia con nociones sobre Egipto, que el autor François Lantier dice no haber escrito sino traducido, con la ayuda de un amigo versadísimo en griego, de un manuscrito griego de Herculano. Asimismo, al calor del renovado interés por los relatos de viajes, se publicaron algunos de los grandes periplos de los siglos anteriores, como fue el caso del primer viaje alrededor del mundo de Magallanes y Elcano, que vio la luz en 1769 de la mano del médico, botánico y escritor Casimiro Gómez Ortega.

A finales del dieciocho (1797), el francés Joseph La Porte compiló una monumental enciclopedia de viaje, luego corregida y ampliada por el español Pedro Estala: El viajero universal o noticia del mundo antiguo y nuevo, obra recopilada de los mejores viajeros. Y es precisamente al traductor a quien corresponde esta interesante reflexión acerca de la literatura viajera en aquel tiempo: “Los viajes son hoy en día la lectura más general y apetecida de toda Europa y con razón, pues ninguna otra de las obras de gusto ofrece tanta instrucción y recreo. Conocer todos los países del mundo es, sin duda, después de la religión, el estudio más digno del hombre. El viajar es el complemento de una educación esmerada, pero no todo el mundo dispone de los medios suficientes y por ello parece hacerse necesarios los libros de viajes”.

¿Quiere leer todos los artículos de esta misma serie sobre literatura de viajes de José González Núñez?

40 conciertos en 10 museos estatales

Publicado por carlos en En Música,Patrimonio | Sin comentarios

MusaE tiene un doble objetivo: por una parte, impulsar la carrera de los jóvenes intérpretes aportándoles formación innovadora y facilitándoles un nuevo espacio para mostrar su trabajo al público. Y, por otra, dinamizar la relación de los visitantes de los museos situando al músico como mediador central de esta comunicación y, de esta forma, favorecer las visitas de minorías y colectivos en riesgo de exclusión a los museos.

En esta nueva edición, MusaE se abre por primera vez a otros géneros más allá de la música clásica, en concreto al jazz, el flamenco y las músicas tradicionales. También se renuevan las bases de la convocatoria y se refuerza la apuesta por la vertiente formativa, incrementando los talleres que se ofrecen a los músicos participantes.

Más información sobre MusaE [50]

Juventudes Musicales de España

MusaE comienza esta una nueva etapa con la gestión de Juventudes Musicales de España, una organización sin ánimo de lucro que desde hace más de 65 años juega un papel clave en la promoción de los jóvenes músicos españoles y en la descentralización de la oferta musical.

Conoce la agenda completa del Programa MusaE [51] 

 

Amores de cine

Publicado por carlos en En Arte,Cine | 1 Comment

El objetivo va más allá de dar cuenta de las múltiples variantes del amor. Molina se plantea hacer una meditación filosófica sobre la vida y la muerte tomando como excusa el cine. Busca y recrea historias de amor que mueven a la reflexión. Y hay que agradecer al poeta, ensayista y gestor cultural –ministro del ramo de 2007 a 2009– que haya sido capaz de cumplir el reto sin echar del libro a esos cinéfilos que busquen, sobre todo, información y opinión sobre películas y cineastas; muy al contrario: tendrán siempre en este ensayo fabulosas lecturas de clásicos inagotables como Te querré siempre, de Roberto Rosellini, Jules y Jim, de François Truffaut, o Dublineses, de John Huston.

No obstante, que nadie espere aquí una historia canónica del cine romántico pese a estar incluidas Carta de una desconocida o Los puentes de Madison. Abunda el cine europeo con pocas muestras del Hollywood dorado (Casablanca, Tú y yo), predominio del celuloide francés y escasa representación española (El Sur, Amantes, Los amantes del círculo polar…). Y están, claro, las debilidades personales del autor (la filmografía de Kieslowski, el Senso de Visconti, Marlene Dietrich, Terrence Malick…) aunque hay, en cambio, poca nota autobiográfica en sus páginas.

El amor vengativo, el amor primerizo, el romántico, el depredador, el egoísta, el adúltero, el enfermizo, el clandestino, el asexual, el violento, el imposible… Casi tantos tipos de amores como adjetivos le pueden casar al sentimiento y que pasan por la mirada de Molina, una de esas personas de apabullante erudición que parecen haber leído todos los libros y visto todas las películas. Aun así y pese a la sobredosis de citas que abren y salpican cada análisis, nada aplasta al lector en un texto fácil de leer, que quizá concede demasiado espacio a la sinopsis de algunas películas.

El libro se regodea de forma brillante en lo ya sabido y no por ello menos doloroso: que “el amor no posee el poder de arrancar al amado de las garras de la muerte” pero que, como dejó escrito Marguerite Duras, puede al menos servir “para morir más cómodamente en la vida”.

Desde luego, puestos a marcharnos de este mundo, no se me ocurre mejor manera que hacerlo escuchando las palabras de amor que Audrey Hepburn le dice a un Sean Connery herido de muerte en Robin y Marian, película incluida en el libro. “Te amo. Te amo más que a todo, más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana o que a la paz, más que a nuestros alimentos, te amo más que al amor o a la alegría o a la vida entera, te amo… más que a Dios”.

 

Tan poderoso como el amor [52]
César Antonio Molina
Editorial Destino
496 páginas
21,90 euros